"Central de Proyectos" - Uma Galeria para Artistas.

foto: http://www.centraldeproyectos.net/

A Central de Proyectos (Central de Projetos) é um espaço destinado à produção de Arte Contemporânea na Argentina - mais especificamente, situado no bairro Recoleta, na cidade de Buenos Aires - e que, pode-se denominar, como uma Galeria PARA Artistas e, não apenas, uma Galeria DE Artistas.

A sutil diferenciação de palavras enriquesse o "papel" dessa Galeria que ao invés de somente expor as obras, as coloca a disposição do público para serem conhecidas, de fato.

O lugar é pequeno e muito simpático, bem ilumidado e possui um significante acervo de obras de artistas argentinos da cena atual. Uma ótima alternativa para a difusão da produção contemporânea de Arte, já que, os espaços as vezes não se demonstram tão abertos para que o público entre e disfrute o momento, com a real intensão que esse disfrute pode ter - na Central de Proyetos é permitido manusear as obras e "vasculhar" as caixas onde os trabalhos ficam guardados (obvio, com muito cuidado).

Está aprovadíssima a Galeria e merece uma visita (mesmo que não seja ao vivo, pode ser virtual!)

A exposição em cartaz atualmente é da artista plástica ilustradora Irene Singer (último post).

foto: http://www.centraldeproyectos.net/

La Central de Proyectos es un espacio destinado a la producción del Arte Contemporáneo en la Argentina - ubicada en el barrio Recoleta en la ciudad de Buenos Aires - y que se puede denominar como una Galería PARA Artistas, y no apenas, una Galería DE Artistas.

La sencilla diferenciación entre las palabras enriquece el "rol" de esa Galería que, en lugar de solamente exponer las obras, se las pone a disposición del público para que sean conocidas, de hecho.

El lugar es pequeño y hermoso, está bien iluminado y posee una significante colección de obras de artistas argentinos de la movida actual. Una perfecta alternativa para la difusión de la producción contemporánea del Arte, ya que, los espacios, a veces, no se demuestran tan abiertos para que el público entre y disfrute del momento, con la real intensión que este "disfrute" puede tener - en la Central de Proyectos está permitido manipular las obras y "chusmear" las cajas en donde los trabajos se quedan guardados (obvio, con cuidado).

Esta re aprobada la Galería y merece una visita (aún que no sea en vivo - hay un sitio de web).

La última exposición en la cartelera es de la artista plástica ilustradora Irene Singer (último post).

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+ sobre a galeria:

http://www.centraldeproyectos.net/

Exposição "Entre Textos" de Irene Singer.

São simplesmente, doces sonhos a cada imagem...

Essa é a frase mais completa para descrever a obra da artista plástica-ilustradora Irene Singer (Argentina - Buenos Aires, 1960).

Sua formação é em gravura, talvez daí tanta delicadeza. No entanto a criatividade de realçar no aguado da aquerela, mancha sobre mancha e seus personagens feitos entre pedaços de tecidos, lápis e retalhos de papel; lhe são notáveis.

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Son simplemente, dulces sueños a cada imagen...

Esa es la frase más completa para describir a la obra de la artista plástica-ilustradora Irene Singer (Argentina - Buenos Aires, 1960).

Es recibida de arte en grabado,  quizá de ahí viene tanta suavidad. Sin embargo la creatividad de lucir en el aguado de la acuarela, mancha sobre mancha y sus personajes hechos entre pedazos de tela, lápiz y retazos de papel; le son notables.

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+ sobre a artista:

http://www.irenesinger.com.ar/

Juan Lecuona: novos olhares ao desconhecido!

Juan Lecuona, "Ana O". Técnica Mixta s.Tela. 200 x 180cm. 2006.

Recentemente aconteceu a Feira de Arte – ARTE BA 2010 – em Buenos Aires, e entre tantos artistas, conheci com apenas duas obras a Juan Lecuona (1956), artista plástico argentino, de Buenos Aires e anotei seu nome em meu caderno. O que me fez gostar tanto da obra foram, mais precisamente, duas coisas: a textura e a forma. Me identifiquei rapidamente com um “algo” que acredito ter também em minha linguagem artística. Depois, procurando sobre ele na internet, descobri que é um artista plástico cujo desenvolvimento se deu nos anos 80 e que tem tantas outras obras em que se destaca a textura como um ponto relevante no tramatento que dá ao material que utiliza, seja a tinta ou demais materiais.

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Recién ocurrió la Feria de Arte – ARTE BA 2010 – en Buenos Aires, y entre tantos artistas, conocí con tan solo dos obras a Juan Lecuona (Buenos Aires, 1956), lo apunté un mi cuaderno. Lo que me hizo fijar el ojo en su pintura fueran dos cosas: la textura y la forma. Me identifiqué prontamente con un “algo” que creo tener también en mi lenguaje artístico. Después, en la búsqueda por más trabajos en la web, me di cuenta de que es un artista que se desarrollo en el rumbo del Arte por los 80 y que tiene otras tantas obras en las cuales la textura es algo que apunta a su tratamiento con el material que utiliza, sea la pintura o demás materiales.

Juan Lecuona, "Próximo Prójimo". Técnica Mixta s.Tela. 200 x 140cm. 1994.

“Este artista, nacido en 1956 en Buenos Aires, cuenta con una destacada trayectoria: cofundador del Grupo Babel, intervino en numerosas exhibiciones en museos y galerías de Argentina, Brasil, Uruguay y Chile; recibió importantes distinciones, entre las que cabe mencionar, el Premio al Mejor Envío Extranjero en la IX Bienal Internacional de Arte, Valparaíso (1989), Primer Premio de Pintura de la Fundación Fortabat (1991), Premio al Artista del Año, otorgado por la Asociación Argentina de Críticos (1995), Segundo Premio de la Fundación Constantini (2000), Primer Premio Salón Nacional (2001) y Premio "Fundación Trabucco" de la Academia Nacional de Bellas Artes (2002).

Ha participado también en exhibiciones como "Recurrencias: arte argentino de la generación de los 80", en el Museo de Arte Contemporáneo "Sofía Imber" de Caracas (1997), "Imágenes de Argentina, Analogías", en la Fundación Santillana del Mar (España, 1998) y también en diversas ferias internacionales en realizadas en Buenos Aires, Miami, Madrid, Chicago, Caracas y Nueva York”.

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Fonte:

http://www.guiacultural.com/guia_regional/regional/argentina/

cordoba/acercamiento_obra_juan_lecuona.htm

+ sobre o artista:

http://www.museocastagnino.org.ar/lecuona.html

Gonzalo Duport: Dinamismo y Seguridad.

Gonzalo Duport (24), artista plástico argentino de la ciudad de Tres Arroyos, empezó a trabajar con las artes plásticas desde que se fue a vivir en Dinamarca en un intercambio estudiantil. Allá, la escuela daba clases de Arte de manera que les hacía a los alumnos conocer mejor el universo creativo que cada uno poseía. A lo largo de los talleres se dio cuenta de sus habilidades en estas clases y lo cuanto importante eran para su formación, además de haber encontrado en esa materia una manera muy particular de expresarse.

Gonzalo Duport (24), artista plástico argentino da cidade de Tres Arroyos, começou a trabalhar com as artes desde que foi morar na Dinamarca  em um intercâmbio estudantil. Lá, a escola ensinava a arte de maneira que mostrava aos alunos outra forma de compreender o universo criativo que cada um possui. Ao longo dos workshops realizados percebeu o quão importante a disciplina Arte é para a formação, e, assim, encontrou neste espaço uma forma muito especial de se expressar.

Serie “Aquellos besos: beso n. 13”. Acrilico s. Madera, 90 x 100cm. 2010.

A lo transcurrir de 9 años, ha producido de manera continua, lo que le permitió, generar su portfolio donde se fijan las marcas de su originalidad. Las pinturas de Gonzalo Duport más actuales se pueden categorizar por temáticas, que siguen el transcurso natural que todo artista construye: combinar fases de producción con los asuntos que se vuelven recurrentes en la rutina. En estos momentos, el artista se ve metido en una situación confrontadora con la cual se permite ir más allá de lo que cree que sea posible.

Un buen ejemplo de esta dinámica de trabajo es la “serie” de pinturas de “besos”, que se inicio tras la pregunta de una amiga interesada por sus trabajos: ¿por qué no pintas besos?


Ao longo de nove anos, tem produzido continuamente, o que lhe permitiu construir o seu portfólio, que define as marcas de sua originalidade. As pinturas mais recentes de Gonzalo Duport podem ser categorizadas por assunto, seguindo o curso natural, que, de modo geral, todo artista constrói: as fases de produção combinadas com as questões que se tornam recorrentes na rotina. Atualmente, o artista está engajado em uma situação de confronto com a qual ele acredita que pode ir mais longe do que imagina.

Um bom exemplo de suas descobertas é a "série" de pinturas de "beijos", que foi iniciado após a pergunta de uma amiga interessada em seu trabalho: por que não pintar os beijos?

Serie “Mis ciudades”: situación n.6”. Acrilico y Marcador s. Madera, 37 x 34cm. 2010.

El asunto de pintar los besos le dio a Gonzalo la posibilidad de mezclar los rasgos de lo abstracto con lo figurativo. Su obra, en este sentido, es osada, al mismo tiempo que trabaja con simbologías del “mundo real”, es decir, de formas ya reconocidas por ya haber sido legitimadas; incorpora la abstracción en estas formas - aún que sea en la del cuerpo, o en la cara, destorciéndolas. En la serie “Mis Ciudades” trata de representar las sensaciones del desconocimiento causadas en sus viajes, o mismo en su ciudad cuando pasa por una nueva experiencia, en un lugar nuevo.

A questão da pintura de beijos deu Gonzalo à habilidade de misturar as características do abstrato com o figurativo. Seu trabalho, nesse sentido, é ousado, trabalha com símbolos do mundo "real", isto é, formas reconhecidas e legitimadas, porém, agrega a elas, traços do abstrato, no corpo, ou rosto; completamente distorcidos. Na série "Minhas Cidades" pretende representar os sentimentos que lhe causam a sensação de desconhecimento em suas viagens, ou mesmo na cidade que mora.
 

“Body Paiting” realizado a lo 16 de mayo de 2010.

Sin embargo, no solamente de “devaneos” sobre la madera o el lienzo se hace el histórico de experimentaciones del artista. El body paiting, se le hiso transportar lo de la tela hacía el cuerpo, confrontando, de esta manera, los soportes utilizados hasta entonces con lo manejo del pincel sobre la piel, en un trabajo en tiempo real y frente al público. Esta vivencia la tuvo actualmente y desde entonces paso a explorar más de esta manera de trabajar la pintura.

No entanto, não só de "divagações" sobre a madeira ou a tela vive o artista. A pintura corporal (body painting) lhe permitiu conhecer o suporte “pele”, e, confrontar-se, desta forma, com os meios comunicativos usados até então. A pintura no corpo aconteceu em tempo real e em frente ao público, tendo esses requisitos como determinantes no fator “performance” e arte-registro.

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+ sobre o artista:

www.gonzaloduport.blogspot.com

Brasília Cultural: Galeria Espaço Piloto e o encontro de Luiz(s)as!

Está acontecendo em Brasília, DF (Brasil) a exposição de 3 jovens artistas na galeria da universidade, Espaço Piloto. Dentre as artistas, está Luiza Mader, a qual já foi mencionada no Arte Paralela com as obras Extensões e Terrenos. Dada a continuidade de sua pesquisa, Luiza expõe o site specific Terrenos, equilibrando as tensões que surgiram do cruzamento entre os diferentes suportes experimentados.

A convite da artista, escrevi o texto de apresentação de sua obra, acontecimento este que me gerou imensa felicidade por viabilizar essa comunicação virtual entre Brasília e Buenos Aires(cidade onde moro) e, de certo modo, legitimar minha profissão de crítica de Arte.

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Está ocurriendo en Brasília, DF (Brasil) la exposición de 3 jóvenes artistas en la galería de la universidad, Espaço Piloto (Espacio Piloto). Entre las artistas, está Luiza Mader, la cual ha sido mencionada en el Arte Paralela con las obras Extensões (Extensiones) y Terrenos. Dada la continuidad de su investigación, Luiza expone el site especific Terrenos, buscando el equilibrio de las tensiones que se generan desde el cruce de los distintos soportes utilizados.

Invitada por la artista, redacté el texto de presentación de su obra,
acontecimiento este que me resultó mucha alegría por poder viabilizar la comunicación virtual entre Brasília y Buenos Aires (ciudad donde vivo) y, de cierta manera, legitimar mi profesión de crítica de Arte.

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DO PROFUNDO DA TERRA, O CERNE PARA A COMPOSIÇÃO.

Por Luisa Brandt.

Desde a terra – e seu submundo entremeado, suas tantas texturas, sua organicidade leve, por ora densa – a artista plástica Luiza Mader retira o material ideal e que corresponde às suas expectativas para a produção da obra Terrenos.

A série surgiu em 2009 em dimensões menores, porém já trabalhada a partir do conceito de transladação: desvincula-se a terra do seu lugar de ocupação natural, altera-se a função dessa matéria, que passa a ocupar um lugar pictórico. Seguindo essa dinâmica, em sua versão site specific, as pinturas sobre madeira geram a visualidade plástica desejada para a série de trabalhos da artista. A mistura cautelosa de materiais como a linha de costura, a encáustica, a resina laca, as folhas de ouro e os fios de cobre, se combina sinuosamente com as tramas da tela tule e com os diversos matizes do composto usado.

A terra, tanto como matéria de composição plástica como suporte, caracteriza a obra de Luiza Mader. Nela, a artista expande tal significação por meio de sua visível poética: um verdadeiro complexo de cores surge desde aglomerados pequenos e “grotescos”, que se organizam durante a pintura, até sutis linhas que suavizam a composição e sobrevoam por toda a imagem.

Terrenos são pinturas que conversam sobre íntimos segredos, e que, aos poucos, revelam – na condição de sua exposição no “terreno ar” – a simplicidade de um grão de terra e de uma gota de cera. Transportados a uma dimensão que os olhos podem ver, esses materiais transmitem a poesia que se esconde sob duras caminhadas, no profundo das gerações, na durabilidade do tempo.

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DE LA PROFUNDIDAD DE LA TIERRA, EL CORAZÓN DE LA COMPOSICIÓN.

Por Luisa Brandt.

Desde la tierra - y su mundo subterráneo entrelazado, sus muchas texturas, su liviana organicidad, por ora densa - la artista plástica Luiza Mader hace de este material  lo ideal y que corresponde a sus expectativas para la producción de la obra Terrenos.

La serie se inició en 2009 en dimensiones más pequeñas, pero siguió trabanjado a partir de la noción de transposición: retira la tierra de su lugar natural de ocupación, altera su función y la hace ocupar un lugar pictórico. La raíz de esta versión se exhibe en site specific, las pinturas sobre madera generan el aspecto visual deseado para la serie de obras de la artista. Una cuidadosa mezcla de materiales como el hilo de coser, la encáustica, la resina laca, las hojas de oro y cobre, se combinan sinuosamente con los hilos de la tela de tul y con los diversos matices de la mezcla utilizada.

La tierra, tanto en lo que respecta a la composición plástica como al soporte, caracteriza la obra de Luiza Mader. En ella, la artista amplía este significado a través de su visible poética: un complejo de colores se crean y van desde de pequeños granos "grotescos", que se organizan durante la pintura, hasta líneas sutiles que suavizan la composición y “vuelan” sobre toda la imagen.

Terrenos son pinturas que hablan sobre los secretos íntimos, y que revelan poco a poco - con la condición de que su exposición - en el espacio "aire-tierra" - la simplicidad de un grano de tierra y una gota de cera. Transportados a una dimensión que los ojos pueden ver, estos materiales transmiten la poesía que se esconde bajo caminatas vigorosas, en lo profundo de las generaciones, en la durabilidad de tiempo.

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Obrigada a todas e todos que contribuiram para  esse evento acontecer (Denise Brandt e Fábio Baroli pelas fotos e Helena Mader pela correção do texto).
Quem ainda não passou pela exposição, não deixe de conferir!

Gracias a todas y todos que contribuyeron para que ocuriera el evento (Denise Brandt y Fábio Baroli por las fotos y Helena Mader por la corrección del texto).

+ sobre a artista:

http://arteparalela.blogspot.com/2010/02/luiza-mader-dialogos-profundos.html