Arte Paralela

Gaveta de Bolso: Para guardar Segredinhos!

2011-12-14T20:13:00.000-03:00

Gaveta de Bolso é o livro de duas grandes artistas: Luda Lima nas ilustrações e Juliana Cunha na poesia. Foi editado pela Prólogo.

Já foi lançado em São Paulo, na Cartel011 e agora será lançado em Brasília na Cobogó Mercado de Objetos (SCRN 704/705 bloco E lojas 51/56, Brasília, Brasil), no sábado, dia 17 de Dezembro, a partir das 16h! Venha fazer parte desse evento...uma dica ARTE PARALELA!

Gaveta de Bolso (Cajon de Bolsillo) es un libro de dos grandes artistas: Luda Lima en las ilustraicones y Juliana Cunha en la poesía. Editado por la Prólogo.

Su estreno ocurrió en São Paulo, en el local Cartel011 y ahora se estrenará en Brasília en el local Cobogó Mercado de Objetos (SCRN 704/705 bloco E lojas 51/56, Brasília, Brasil), el sábado 17 del corriente desde las 16h! Veni y sumate a ese evento... una sugerencia de ARTE PARALELA!

Galerias Virtuais: Acervos Reais.

2011-11-10T20:54:00.006-03:00

O quadro "Ensaios Paralelos", que estreou dia 9 de setembro de 2010 com o texto "Os 9 de Brasília" (link), retoma seus trabalhos com o texto intitulado "Galerias Virtuais: Acervos Reais", realizado a partir de entrevista com a Dra. em Sociedade e Cultura Claudia Mandel (53), do Museu das Mulheres da Costa Rica.

A conversa se baseou no interesse em conhecer todo o caminho percorrido por Claudia e seus companheiros de trabalho desde a criação da associação, sem fins lucrativos, até a fundação do Museu das Mulheres, na capital do país, San José, e, por fim, a elaboração da plataforma virtual, onde são realizadas exposições de artistas mulheres latino-americanas.

A pesquisa de Claudia já se antecedia desde alguns anos. Quando começou a sua pesquisa sobre "Violência de Gênero" sua preocupação era poder divulgar como essas mulheres foram representadas nos últimos 10 anos, e , percebendo a existência de uma produção muito significativa de artistas mulheres, decidiu focar sua pesquisa no vínculo estabelecido pelas artes plásticas e as obras geradas dessa conexão entre arte, história e manifesto.

Dada a quantidade de trabalhos pesquisados, dos nomes e obras em evidência na produção latino-americana relacionada ao gênero feminino, Claudia formou uma associação e com ela batalhou por um espaço físico para abrir o Museu das Mulheres, onde pudesse expor esse material de interesse sócio-cultural: "não existe espaço para as obras, temos que criá-lo", afirmou.

Foram algumas tentativas ao longo de, mais ou menos, um ano de procura por esse lugar, até que, dadas circunstâncias, Claudia inaugurou o Museu das Mulheres, a princípios de 2011, em sua própria casa! A coleção de obras adquiridas até então foi suficiente para encher as paredes do novo museu e permitir que, no íntimo lugar, se realizem cursos para mulheres artistas, debates centralizados no marco histórico-teórico da questão, além de visitas guiadas e entrevistas!

Para complementar o trabalho de exposição e divulgação das obras e pesquisa, Claudia e equipe decidiram inaugurar também o site do Museu, onde acontecem exposições virtuais desde julho desse ano e têm na agenda data marcada para as próximas artistas.

O trabalho dedicado à plataforma virtual requer um contato ainda mais próximo às artistas, já que, muito se dá por comunicação via e-mail e conversas por skype! O resultado dessa combinação são exposições que tem a finalidade de apresentar a obra embasada em argumentações contundentes sobre o tema, desde o cerne da problemática de gênero até questionamentos poéticos sobre a finalização plástica do trabalho artístico. A plataforma, além de ser acessível à qualquer pessoa de qualquer parte de mundo, é um material de importante uso didático. A Universidade Nacional de Educação à Distância (UNED) em parceria com o Museu das Mulheres dispõe de seus textos como material de apoio para a realização de pesquisas, permitindo que os vínculos entre pesquisa e educação se conciliem ao invés de se manifestarem paralelamente e desconectados.

Claudia Mandel e o acervo do Museu das Mulheres. Entrevista para o site "Perfil" (link)

http://www.museodelasmujeres.co.cr/

El cuadro "Ensayos Paralelos" que se ha estrenado el 9 de septiembre del 2010 con el texto "Los 9 de Brasília" (link), vuelve a sus trabajos con el texto "Galerías Virtuales: Colecciones Reales", realizado desde una charla con la Dra. en Sociedad y Cultura Claudia Mandel (53), del Museo de las Mujeres de la Costa Rica.

La conversación se embasó en el interés de conocer todo el camino recorrido por Claudia y sus compañeros de trabajo desde la creación de la asociación, sin fines de lucro, hasta la fundación del Museo de las Mujeres, en la capital del país, San José, y, al fin, la elaboración de la plataforma virtual, en donde son realizadas exposiciones de artistas mujeres latino americanas.

La investigación de Claudia se precedía desde algunos años. Cuando comenzó a investigar sobre "Violencia de Género" su preocupación era poder difundir como esas mujeres fueron representadas en los últimos 10 años, y, al darse cuenta de la existencia de una producción muy significativa de artistas mujeres, decidió enfocar su investigación en el cruce establecido por las artes plásticas y las obras generadas a partir de esa conexión entre arte, historia y manifiesto.

Dada la cantidad de trabajos investigados, de los nombres y obras en evidencia en la producción latino americana relacionada al género femenino, Claudia armo una asociación y con la misma lucho por un espacio físico para abrir el Museo de las Mujeres, en donde pudiese exponer ese material de interés socio cultural: "no hay espacio para las obras, hay que crearlo", afirmo.

Fueron algunos intentos a lo largo de, más o menos, un año de búsqueda por ese lugar, hasta que, debido a las circunstancias, Claudia inauguró el Museo de las Mujeres en su propia casa! La colección de obras de adquisición de hasta ese entonces fue lo suficiente para llenar las paredes del nuevo museo y permitir que, en el íntimo lugar, se den cursos para mujeres artistas, debates centralizados en el marco histórico-teórico del tema en cuestión, además de visitas guiadas y entrevistas!

Para complementar el trabajo de exposición y difusión de las obras y investigaciones, Claudia y su equipo decidieron inaugurar el sitio del museo, en donde ocurren exposiciones virtuales desde el julio del corriente y tiene en la agenda las fechas para las próximas artistas.

El trabajo de la plataforma virtual necesita de un contacto aún más próximo de las artistas, ya que, mucho se va por la comunicación entre correos electrónicos y conversaciones por el skype! Lo que resulta de esa junción son exposiciones que tienen la finalidad de presentar la obra basada en argumentaciones contundentes sobre la temática, desde el centro de la problemática de género hasta cuestionamientos poéticos sobre la finalización plástica del trabajo artístico. La plataforma, aparte de ser accesible a cualquier persona de cualquier parte del mundo, es un material de importante uso didáctico. La Universidad Nacional de Educación a Distancia (UNED) en fusión con el Museo de las Mujeres dispone de sus textos como material de apoyo para la realización de investigaciones, permitiendo que los enlaces entre búsqueda conceptual y educación se concilien al revés de que se manifiesten paralelamente y desconectados.

Exposição Virtual na galeria do Museu das Mulheres (link)

Claudia Mandel participou de "Ensaios Paralelos", é Doutora em Sociedade e Cultura pela Universidade da Costa Rica (URC). Fundadora do Museu das Mulheres, na cidade de Jan José. É uma das profissionais que zela pela participação feminina no meio social, político e artístico e eqüidade de gênero. ARTE PARALELA te agradece pela participação! Se você é um profissional de qualquer área relacionada com as artes plásticas e quer contar como é a rotina do seu trabalho, escreva para: brandt.luisa@gmail.com

Claudia Mandel participó de " Ensayos Paralelos", es Doctora en Sociedad y Cultura por la Universidad de la Costa Rica (URC). Fundadora del Museo de las Mujeres, en la ciudad de San José. Es una de las profesionales que cuida de la participación femenina en el medio social, político y artístico y por la equidad de género. ARTE PARALELA te agradece por la participación! Si vos sos un profesional de cualquiera que sea la área relacionada con las artes plásticas y nos queres contar como es la rutina de su trabajo, escribí para: brandt.luisa@gmail.com

Uma coleção Virtual!

2011-10-12T23:51:00.000-03:00

Para promover y divulgar seu acervo a galeria virtual SUBIARTE, YA! realiza a exposição coletiva "Mini Obras: Artistas do Acervo em Exposição". Os artistas que já expuseram suas obras na galeria, agora apresentam obras em pequeno formato.

Para promocionar y difundir su colección la galería virtual SUBIARTE, YA! realiza la exposición colectiva "Mini Obras: Artistas de la Colección en Exposición". Los artistas que ya expusieron sus obras en la galería, ahora presentan obras en pequeño formato.

VISITE, YA!

O Silva: lápis e tesoura na era digital.

2011-08-31T19:10:00.001-03:00

capa do caderno "planeta" - Estadão, São Paulo - ago 2011.

O Silva, é a assinatura do grande artista Fabiano Silva (31, Brasília) que em plena era da tecnologia prevalece debruçado sobre o papel, onde seus traços intercalam entre o zig-zag do lápiz e o arranhar das tesouras. Desde criança admira o desenho, que hoje em dia, na sutileza de seus criativos esboços, sua arte gera pernas, dedos, mãos e haja imaginação! Na ilustração encontrou seu "porto seguro" onde seu trabalho não se limita aos suportes convencionais. Do micro ao macro, a arte de Fabiano, O Silva, gera um verdadeiro choque visual, sem sombra de dúvidas, emociona, surprende e revela...

"O Silva", es la firma del gran artista Fabiano Silva (31, Brasília/Brasil) que en la era de la tecnología prevalece encorvado sobre el papel, donde sus huellas se cruzan entre el zig-zag del lápiz y el rasguñon de la tijera. Desde edad temprana admira el dibujo, que hoy en día, en la sutileza de sus creativos bocetos, su arte produce piernas, dedos, manos y ¡aguante la imaginación! En la ilustración se ha encontrado como en un "refugio seguro", donde su trabajo no se limita a los soportes convencionales. De lo micro a lo macro, el arte de Fabiano, O Silva, genera un verdadero choque visual, que, sin dudar, emociona, sorprende y revela...

+ sobre O Silva:

http://www.osilva.com.br

Originalidade com cheirinho de Café!

2011-08-04T00:36:00.000-03:00

Brasília acaba de ganhar o mais nova cafeteria da cidade, também acaba de ganhar uma galeria linda, com paredes branquinhas "pedindo" arte. Na verdade, as duas novidades vieram juntas com a inauguração do "Artefato Café e Galeria", um projeto que já saiu do papel e fará parte da agenda cultural da cidade com exposições de artistas locais, nacionais e quem sabe, internacionais. O circuito de exposições da galeria ainda não começou, porém, aquele cafezinho com pão-de-queijo já estão esperando por sua visita!

Brasília acaba de ganar la más nueva cafetería de la ciudad, también acaba de ganar una galería linda con paredes blanquitas "pidiendo" por arte. En verdad, las dos novedades llegaron juntas con la inauguración del "Artefacto Café y Galería", un proyecto que ya salio del papel y hará parte de la agenda cultural de la ciudad con exposiciones de artistas enterinos, nacionales y quizás internacionales. La movida de las exposiciones de la galería aún no empezaron, sin embargo, el famoso café con chipá bien brasileño espera por su visita!

Artefato, Café e Galeria

CLN 114 Bloco A Loja 10

Brasília/Brasil

Café-Barista: Simone Rosa

Galerista: Rafaela Rosa

Administração: Albanita

Blog-Classificados!!!

2011-06-28T14:31:00.002-03:00

http://www.grafitripero.blogspot.com/

Muitas vezes para redigir um texto de um Blog é necessário ler outros Blogs. Hoje em dia a informação é passada de e-mail a e-mail, post a post... existem muitos profissionais que se dedicam totalmente a seus Blogs e são apaixonados por isso! Nada mal... é importantíssimo saber como outras pessoas pensam e expõem suas idéias de forma que é ao mesmo tempo livre e comprometedora!

Grafitripero é um Blog argentino assinado pelo pseudónimo de também Grafitripero, que significa, talvez, grafiti de viajante.

O Blog consiste em fotos de diferentes grafitis das paredes e muros de cidades da Argentina e textos paralelos que compartem de um simbolismo comum. São mini-crônicas do cotidiano dessas imagens, reflexões acerca de uma suposta vida "à parte" que tais trabalhos acabam perpetuando de interpretação em interpretação.

"Miramar es un concepto, las bicicletas son todas de hierro viejo, sus genuinos habitantes caminan orgullosos por la capital nacional del Renault 12, alquilar una casa es PreVisible, el margen entre lo lindo y lo feo, cerca y lejos, barato y caro, es magro, corto, estrecho" (Blog Grafitripero).

Muchas veces, para producir el texto para un Blog es necesário leer otros Blogs. Hoy en día la información es transmitida de mail a mail, de posteo a posteo... hay muchos profesionales que se dedicam totalmente a sus Blogs y se apasionan por la actividad! No está mal... es de vital importancia conocer cómo piensan otras personas y exponen sus ideas de manera que es a la vez libre y pone en peligro!

Grafitripero es un Blog argentino firmado por el seudónimo también Grafitripero, que significa, quizás, grafiti de un viajante.

El Blog se compone de fotografías de grafitis de paredes de distintas ciudades de Argentina y textos paralelos que comparten un simbolismo común. Son mini-crónicas de la vida cotidiana de estas imágenes, reflexiones de una supuesta vida "aparte" que tales trabajos han perpetuado desde la interpretación a la interpretación.

Visões Paralelas: León Ferrari e "Otras Bestias".

2011-05-27T19:01:00.000-03:00

O quadro Visões Paralelas apresenta o debate realizado entre ARTE PARALELA e Luiz Felipe Lucas (23), brasileiro, artista audiovisual, ator, modelo e gerente de marcas de moda, acerca da obra de León Ferrari, artista argentino, na exposição "Otras Bestias" (Outras Feras), que esteve em cartaz de 2 a 25 de maio no Palais de Glace (Buenos Aires, Argentina).

El "cuadro" Visiones Paralelas presenta el debate realizado entre ARTE PARALELA e Luiz Felipe Lucas (23), brasilero, artista audiovisual, modelo, ator y encargado de locales de moda, acerca de la obra de León Ferrari, artista argentino, en la exposición "Otras Bestias", que estuvo en cartelera desde 2 hasta el 25 de mayo en el Palais de Glace (Buenos Aires, Argentina).

Ao entrar na exposição Luiz já teve um primeiro "choque". Ficou surpreendido ao deparar-se com a obra do artista, a qual não conhecia. À primeira vista a obra dos aviões cheios de plumas lhe trouxe uma referência bastante familiar: o carnaval. Para um brasileiro tal lembrança é quase inevitável, já que as fantasias do carnaval são cheias dessas plumas de aves e cores. No caso da obra de León Ferrari, essas "aves" são aviões de guerra de plástico, que podem gerar leituras bastante ambíguas, sem retirar de uma conclusão, outra possível análise. O curador dessa exposição, Fernando Brizuela, optou por uma disposição não-linear, como classifica Luiz, ou seja, sem ordem hierárquica nem cronológica. A idéia se encaixa bem com as obras do artista, que permitem um diálogo mais neutro com o observador: "O artista dá muita liberdade de interpretação na sua obra, é possível interpretar cada pedaço e cada um monta sua cronologia", afirma o convidado.

Luego de entrar en la exposición Luiz tuvo un primer "golpe" de sorpresa al confrontarse con la obra del artista, la cual no conocía. En una primera mirada, la obra de los aviones llenos de plumas le trajo un recuerdo muy familiar: el carnaval. Para un brasilero tal recuerdo es casi inevitable, ya que los disfraces de carnaval están llenos de estas plumas de aves y colores. En el caso de la obra de León Ferrari, las "aves" son aviones de guerra de plástico, que pueden generar lecturas bastante ambíguas, sin quitarse a una conclusión, otra posible análisis. El curador de la exposición, Fernando Brizuela, eligió disponer las obras de forma no-linerar, como clasifica Luiz, es decir, sin orden cronológica ni jerárquica. La idea se acomoda bien con lo que son las obras del artista, que permiten un diálogo más neutro con el observador: "El artista da mucha libertad de interpretación en su obra, es posible interpretar cada pedazo e incluso uno puede crear su propia cronologia", afirma el invitado.

Depois, ao entrar na segunda sala da exposição, Luiz entendeu o motivo pelo qual o título do conjunto de obras se chamava "Otras Bestias" (Outras Feras), repensou sua consideração da primeira obra, da qual tinha feito uma análise mais irônica desses aviões de guerra com plumas de aves: "parecia que o artista queria mostrar que algo como uma explosão podia ser mais divertido", conta. Porém, ao entrar na segunda parte da mostra entendeu, em sua interpretação, o que é que o artista propõe com essas tais "Feras".

En seguida, al entrar en la segunda sala de la exposición, Luiz entendió el motivo por lo cual el título del conjunto de obras se llamaba "Otras Bestias", repenso su consideración de la primera obra, de la cual había hecho un análisis más irónico de esos aviones de guerra con plumas de aves: "me pareció que el artista quería mostrar que algo como una explosión podría ser más divertido", cuenta. Sin embargo, al ingresar en la segunda parte de la muestra entendió, en su interpretación, qué es que el artista propone con esas tales "Bestias".

Para Luiz, a série de obras com o boneco do Gorila é a mais significante, pois, partindo de sua relação com o cinema, vê o Gorila como um personagem extremamente cinematográfico. Tal referência alimentou seu espírito "cineasta" e registrou imagens da obra desde o seu ponto de vista. O diálogo proposto por Luiz com a obra de León Ferrari permite que se perceba que o olhar do observador é um componente importantíssimo para que o trabalho do artista "respire" em diferentes ares, em diferentes situações.

Para Luiz, la série de obras con el muñeco del Gorila es la más significante, ya que, desde su relación con el cine, lo ve al Gorila como un personaje muy cinematográfico. Tal referencia alimentó a su espiritu "cineasta" y registró imágenes de la obra con su mirada. El diálogo propuesto por Luiz con la obra de León Ferrari permite que se de cuenta que la mirada del observador es un componente importantísimo para que el trabajo del artista "respire" en distintos aires, en distintas situaciones.

foto: Luiz Felipe Lucas

O curador Fernando Brizuela em seu texto faz referência à idéia mitológica de humanizar os animais, comparar certas qualidades dos animais com qualidades do homem. Para Luiz, esse enfoque não ficou estagnado no tempo, considera que "os seres humanos humanizam não só os animais, mais tudo que está ao nosso redor". Na obra do Gorila com o Papa, interpreta que cada pedaço é uma cena, como num filme. Sua primeira cena, seguindo sua ordem cronológica, é o "julgamento" feito sob o Gorila: "Ali acontece um encontro da Fera com a Religião", conclui. Essa mesma fera, num sentido mais demoníaco, é a "besta", ou, pode ser o representação do homem (no corpo do animal) diante da imagem divina. Essas entre outras idéias são algumas entre tantas conversadas com Luiz que considera importante que a obra tenha sido feita com bonecos, pois eles trazem mais realismo à situação representada, e podem ser fotografadas em diversos enquadramentos.

El curador Fernando Brizuela en su texto hace referencia a la idea mitológica de humanizarse a nos animales, comparando ciertas calidades de los animales con calidades del hombre. Para Luiz, ese enfoque no se ha congelado en el tiempo, considera que "los seres humanos humanizan no apenas los animales sino que a todo que se encuentra a su vuelta". En la obra del Gorila con el Papa, interpreta que cada pedazo es una escena como si fuera una película. Su primera escena, a su modo de armar la cronología, es el "juicio" hecho sobre el Gorila: "Allí ocurre un encuentro de la Bestia con la Religión", concluye. Esa misma bestia puede ser leída como la "bestia" demoníaca o como el hombre (en el cuerpo del animal) adelante de la imagen divina. Esas entre otras tantas ideas fueron conversadas con Luiz que considera importante que la obra haya sido hecha con muñecos, por el motivo de que ellos le dan más realismo a la situación representada, y pueden ser fotografiadas en distintos encuadramientos.

foto: Luiz Felipe Lucas

A segunda cena, pós-julgamento, seria a aproximação do Gorila com a imagem da santa. Se sugere transgredir a história original, se sugere provocar uma interpretação, após ser julgado, o Gorila começa uma nova "vida" e muda certos paradigmas da história bíblica. No entanto, são leituras, o mesmo conjunto poderia ser contado do fim para o começo e então, seria outra história.

En la segunda escena, luego del juicio, sería la aproximación del Gorila con la imagen de la santa. Se sugiere transgredir la historia original, se sugiere provocar una interpretación, luego de haber sido juzgado, el Gorila comienza una "vida" nueva y cambia ciertos paradigmas de la historia bíblica. Pero, son lecturas, el mismo conjunto podría ser contado del fin hacia el comienzo y entonces, iba a ser otra historia.

foto: Luiz Felipe Lucas

A terceira e última cena seria o Gorila participando da "última ceia": "Primeiro ele é julgado, depois ele se aproxima da santa e por último, ele pode ser a imagem divina", propõe Luiz. A cena da "última ceia" também pode ser visualizada em diferentes quadros, o primeiro é frontal, onde os "fatos são contados" desde o ponto de vista do Gorila, e o segundo "é contado" desde o ponto de vista dos que participam dessa ceia.

La tercera y última escena sería el Gorila participando de la "última cena": "Primero él es juzgado, después se aproxima de la santa y por fin, él puede ser la imagen divina", plantea Luiz. La escena de la "última cena" también puede ser visualizada en distintos planes fotográficos, el primero es delantero, en donde los "hechos son contados" desde la mirada del Gorila, y el segundo "es contado" desde la mirada de los que participan de esa cena.

foto: Luiz Felipe Lucas

Finalizada a cronologia montada por Luiz, ele compara o Gorila com as baratas, utilizadas em outras obras, e percebe que no quesito "obra" o uso do boneco do Gorila é mais imponente do que as baratas de plástico: "O Gorila se impõe muito mais que a barata e além disso ele é inacessível, não o conhecemos. Já a barata sim". Essa afirmação relata que, no ponto de vista do convidado, o boneco transmite melhores informações no aspecto plástico do trabalho artístico.

Finalizada la cronología armada por Luiz, él compara el Gorila con las cucarachas, utilizadas en otras obras, y se dá cuenta que no requisito "obra" el uso del muñeco del Gorila es más imponente que las cucarachas de plástico: "El Gorila se impone mucho más que la cucaracha y además de eso él es inacesible, no lo conocemos. En cambio que la cucaracha si". La afirmación relata que, desde el punto de vista del invitado, el muñeco transmite mejores informaciones en el aspecto plástico del trabajo artístico.

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Luiz nasceu em Juiz de Fora, Minas Gerais, Brasil em 1987. Estudou Produção Áudio Visual na Universidade Salgado de Oliveira (2009), em sua cidade natal. Participou de 3 cursos de extensão na área de Cinema, em Buenos Aires, Argentina (2009) em reconhecidas instituições de ensino como a UBA e a ENERC. Atualmente mora e estuda do Rio de Janeiro, Brasil, onde é aluno de atuação da Casa das Artes das Laranjeiras (CAL). Além disso foi assistente de foto (moda) de importantes revistas da Argentina (Catalogue) e Espanha (Neo2) e dirigiu dois curtas-metragem produzidos em Minas Gerais (SADO e SOLUÇO). Também trabalha como modelo, gerente de lojas de moda e atualmente, em Buenos Aires, estuda atuação e crítica de cinema.

Luiz nació en Juiz de Fora, Minas Gerais, Brasil em 1987. Estudió Producción Audio Visual en la Universidad Salgado de Oliveira (2009), en su ciudad de nacimiento. Participó de 3 cursos de extensión en la área del Cine, en Buenos Aires, Argentina (2009) en reconocidas instituciones de enseñanza como la UBA y la ENERC. Actualmente vive y estudia en el Rio de Janeiro, Brasil, en donde es alumno de actuación en la Casa das Artes das Laranjeiras (CAL). Además, fue asistente de foto (moda) de importantes revistas de Argentina (Catalogue) y España (Neo2) y dirigió dos cortometrajes producidos en Minas Gerais (SADO y SOLUÇO). También trabaja como modelo, encargado de locales de moda y actualmente, en Buenos Aires, estudia actuación y crítica de cine.

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ARTE PARALELA agradece ao convidado Luiz por participar do quadro Visões Paralelas e ao espaço de arte Palais de Glace por permitirem tirar fotos na galeria. É importante ressaltar que foi uma opção desse post não colocar legendas de identificação das obras devido ao mesmo uso que fez a curadoria para a exposição em debate. De todas formas, não é demais aclarar que todas as obras em questão são de autoria do artista plástico argentino León Ferrari (http://www.leonferrari.com.ar/).

Para participar do quadro entre em contato: brandt.luisa@gmail.com

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ARTE PARALELA agradece al invitado Luiz por haber participado del "cuadro" Visões Paralelas y al personal de apoyo del Palais de Glace por permitiren que se saquen fotos en la galería. No es más aclarar que fue una opción para ese post no poner los subtítulos de identificación de las obras teniendo en cuenta el mismo uso que lo hace el curador de la exposición en debate. De todas formas, no es mucho volver a decir que todas las obras en cuestión son de autoria del artista plástico argentino León Ferrari (http://www.leonferrari.com.ar/).

Para participar del "cuadro" contactarse a: brandt.luisa@gmail.com

Parafraseando BLOGS!

2011-04-30T15:59:00.000-03:00

http://arteinestable.wordpress.com/

A vida paralela dos blogs e blogueiros precisa ser auto-sustentável! A melhor maneira de manter essa corrente é divulgando outros blogs no seu próprio blog!

La vida paralela de los blogs y blogueros necesita ser auto-sustentable! La mejor manera de mantener a esa corriente es difundiendo otros blogs en su propio blog!

O blog "Arte Inestable" (Arte Instável) é assinado pela museóloga e pesquisadora de história da arte, Karen Dubilet (Buenos Aires, Argentina). Seu blog nasceu com o propósito de discutir o que de fato é instável no universo das artes plásticas hoje, ou seja, inclusive o próprio estatuto da arte contemporânea e suas vertentes.

El blog "Arte Inestable" es de autoría de la museóloga e investigadora de historia del arte, Karen Dubilet (Buenos Aires, Argentina). Su blog nació con el propósito de discutir lo que de hecho es inestable en el universo de las artes plásticas hoy, o sea, incluyendo el propio estatuto del arte contemporáneo y sus vertientes.

ARTE PARALELA convida a todo(a)s seus leitores(as) a conhecerem ARTE INESTABLE. Apesar de estar todo escrito em espanhol, há alguma aproximação com o português. O último post foi feito por Karen especialmente para a exposição de colagens "Superfícies", de Luisa Brandt, que trás no texto uma incrível apresentação sobre a história da colagem e seus "inestáveis" momentos vanguardistas. Vale a pena conferir!

ARTE PARALELA invita a todo(a)s sus tectores(as) a conoceren ARTE INESTABLE. Su último post se lo hizo Karen especialmente para la exposición de collages "Superfícies", de Luisa Brandt, que trae en el texto una increíble presentación sobre la historia del collage y sus "inestables" momentos vanguardistas. Vale la pena conocerlo!

http://arteinestable.wordpress.com/

Exposição SUPERFÍCIES, de Luisa Brandt.

2011-04-20T11:37:00.001-03:00

Não seria muito utilizar o espaço do ARTE PARALELA para divulgar minha própria exposição? (Risos). Me dei o orgulho de tal tarefa: Felizmente a exposição "Superfícies" foi inaugurada e continua em cartaz na galeria Portinari (FUNCEB - Fundação Centro de Estudos Brasileiros, em Buenos Aires), até o dia 27 de abril de 2011. O conjunto está composto de 18 obras de colagem sobre madeira, toda a produção foi realizada durante a minha experiência e vivência na cidade de Buenos Aires, Argentina.

"A artista Luisa Brandt cria formas e figuras através do papel . Ela trabalha desde muito nova com essa técnica, descobre gestos e cores e estimula o nosso olhar. Entre o simples e o complexo as composições criam um debate contínuo. A necessidade de combinar signos e novas dimensões no papel é o que possibilita o "jogo artístico" desta disciplina ao mesmo tempo clássica e comtenporânea denominada colagem. Nela se entrecruzam os elementos e a imaginação faz o resto da obra".

Micaela Fernández Darriba

Curadora

No seria mucho utilizar el espacio del ARTE PARALELA para difundir mi propia exposición? (Sonrisas). Me di el orgullo de tal tarea: Afortunadamente la exposición "Superficies" se inauguro y esta en cartelera en la galería Portinari (FUNCEB - Fundación Centro de Estudios Brasileros) hasta el 27 de abril del corriente. El conjunto está compuesto de 18 obras hechas con la técnica del collage todas realizadas a lo largo de mi experiéncia de vivienda en la ciudad de Buenos Aires, Argentina.

"La artista Luisa Brandt crea formas y figuras a través del papel. Ella trabaja desde muy temprana edad con esta técnica que descubre gestos y colores y estimula fuertemente nuestra mirada. Entre lo simple y lo complejo se debaten continuamente sus composiciones. La necesidad de combinar signos y dimensiones nuevas en el papel es lo que posibilita el “juego artístico” de esta disciplina clásica y contemporánea denominada collage. En ella se entrecruzan los elementos y la imaginación hace el resto de la obra".

Micaela Fernández Darriba

Curadora

Luisa Brandt - "Cavalinho" - 50cm x 50cm - Colagem, 2011.

Diversas Obras da Exposição "Superfícies" de Luisa Brandt.

Micaela Fernandéz Darriba (Curadora) e Luisa Brandt.

Palestra sobre uma breve história da Colagem com a pesquisadora Karen Dubilet.

Oficina de Colagem com a artista plástica convidada Cláudia Contreras (Argentina).

As obras estão a venda, qualquer interesse em conferir o catálogo oficial e adquirir, entre em contato por e-mail: brandt.luisa@gmail.com

Las obras están en venta, cualquier consulta para conocer el catálogo oficial de las obras y la adquisición entre en contacto por e-mail: brandt.luisa@gmail.com

+ Funceb:

FUNCEB - Fundación Centro de Estudos Brasileiros

Esmeralda, 965. Microcentro. Buenos Aires, Argentina.

http://www.funceb.org.ar/_funceb/funceb.php?cat=12

+ Luisa Brandt:

http://www.luisabrandt.com

VIAJANDO: uma iniciativa original e corajosa!

2011-03-22T18:36:00.024-03:00

O projeto VIAJANDO é uma idéia original da galeria de arte virtual SUBIARTE, YA! (www.subiarte.com) assinada pela artista plástica e crítica de arte Luisa Brandt.

O projeto surgiu para viabilizar a exposição de obras de artistas plásticos residentes de um país, em outro país. O intercâmbio entre artistas dos diversos países latino-americanos, já é o foco da galeria SUBIARTE, YA!, porém, com o projeto VIAJANDO a exposição acontece fisicamente em uma dada cidade e permite que um artista brasileiro, por exemplo, exponha suas obras na Argentina, e assim sucessivamente. Esta iniciativa possibilita ao artista que agregue valor a sua carreira e aumente suas perspectivas no mercado.

El proyecto VIAJANDO es una idea genuina de la galería de arte virtual SUBIARTE, YA! (www.subiarte.com) la cual se la firma la artista plástica y crítica de arte Luisa Brandt.

El proyecto surgió para viabilizar la exposición de obras de artistas plásticos residentes de un país, en otro país. El intercambio entre los artistas de los distintos países de Latino América, ya es el enfoque de esa galería, sin embargo, con el proyecto VIAJANDO la exposición ocurre físicamente en una ciudad "x" y permite que un artista argentino, por ejemplo, exponga sus obras en Brasil, y así por delante. Esta iniciativa posibilita al artista que agregue valor a su carrera profesional y aumente sus perspectivas en el mercado.

Para que a exposição aconteça, as obras precisam ser mandadas para a cidade na qual será o evento. Dessa forma, as obras "viajam" de um país a outro.

O primeiro acontecimento de VIAJANDO recebeu a obra das brasileiras (de Brasília) Luiza Mader Paladino (25), Neiliane Silva (29) e Luisa Brandt (27) no dia 11 de março de 2011. O evento aconteceu na cidade de Tres Arroyos, no estado de Buenos Aires (Argentina), na vinoteca Terruños sob organização cultural do artista plástico tresarroyense Gonzalo Duport.

"Tecendo tramas" é o título dessa mostra que como o próprio nome diz evoca às diversas tramas que entremeam as três artistas em suas obras provenientes de técnicas diversas como a pintura com base de terra (Luiza Mader Paladino), o desenho de grafite (Neiliane Araújo) e a colagem (Luisa Brandt).

Para que la exposición ocurra, las obras necesitan ser trasladadas para la ciudad en la cual será el evento. De esta forma, las obras "viajan" de un país hacia el otro.

El primero acontecimiento de VIAJANDO recibió la obra de las brasileras (de Brasília) Luiza Mader Paladino (25), Neiliane Silva (29) y Luisa Brandt (27) en la fecha de 11 de marzo del 2011. El evento ocurrió en la ciudad de Tres Arroyos, en la provincia de Buenos Aires (Argentina), en la vinoteca Terruños con organización cultural del artista plástico tresarroyense Gonzalo Duport.

"Tejiendo tramas" es el título que lleva la muestra y que como el propio nombre hace caso revela las tramas que las obras de las tres artistas tienen en común, en sus distintas técnicas: la pintura hecha con tierra (Luiza Mader Paladino), el dibujo en grafito (Neiliane Araújo) e el collage (Luisa Brandt).

Terruños - Vinoteca e Wine Bar

Terruños - Vinoteca y Wine Bar

Vinhos com rótulos feitos especialmente para a mostra, folhetos e cartaz de mesa.

Vinos con rótulos hechos especialmente para la muestra, folletos y cartaz de mesa.

Luiza Mader, Luisa Brandt

Neiliane Silva

Luisa Brandt

Luiza Mader

Neiliane Silva

+ sobre Terruños:

http://terrunos1810.com.ar/index.html

+ sobre SUBIARTE, YA!:

http://www.subiarte.com/

+ Notas:

http://www.diario3.com.ar/nota.php?id=12104

Divulgando...Difundiendo!

2011-02-22T18:17:00.000-03:00

Para os interessados em pintura, que queiram fazer parte de uma oficina bacana e estejam passando por Buenos Aires em março, fica a dica do mini-curso com a artista plástica argentina Laura Spivak, quartas-feiras, 18h a 21h.

Contato: lauraspivak@yahoo.com.ar

A los que se interesen por la pintura, que quieran hacer parte de un taller bien copado y estén de paso por Buenos Aires el marzo, se sugiere el mini curso con la artista plástica argentina Laura Spivak, días miércoles, 18h a 21h.

Contacto: lauraspivak@yahoo.com.ar

As merecidas férias!

2011-01-05T18:48:00.002-03:00

MASP - Museu de Arte de São Paulo. Instalação de Regina Silveira, 2011.

Ano Novo, vida nova! O Blog ARTE PARALELA passou alguns dias afastado da vida "on line", isso porque quem está por de trás da "telinha" cheia de informações também merece suas devidas férias! No entanto, o Blog é como uma máquina e não pode parar! Já estamos no ar com muita motivação para que o ano de 2011 seja mais um ano "bombástico" para o ARTE PARALELA - o Blog revista que valoriza de verdade o artista e sua informação.

Año Nuevo, vida nueva! El Blog ARTE PARALELA ha pasado algunos días fuera del servicio "on line", eso porque quien está del otro lado de la pantalla está llena de informaciones también merece la tan esperada vacaciones! A pesar de esto, el Blog es como una máquina que no puede parar! Ya estamos "mode on" con mucha motivación para que el año 2011 sea un año más de mucha energía para el ARTE PARALELA - el Blog revista que valora de hecho el artista y su información.

Na foto, a instalação na parte externa do Museu de Arte de São Paulo da artista plástica Regina Silveira (Porto Alegre, 1939). As nuvens se embaralham em meio aos edifícios da cidade. A arte se inspira nos "pontos cruz" e o azul com branco suavizam a arquitetura do "bloco" de concreto modernista do prédio desenhado pela arquiteta Lina Bo Bard (Roma, 1914 - São Paulo, 1992).

En la foto, la instalación en la parte externa del Museo de Arte de San Pablo de la artista plástica Regina Silveira (Porto Alegre, 1939). Las nubes se enredan en el medio de los edificios de la ciudad. El arte se inspira en los "puntos cruz" (técnica de encajes) y el azul con blanco suavizan la arquitectura del "bloque" de concreto modernista del predio diseñado por la arquitecta Lina Bo Bard (Roma, 1914 - São Paulo, 1992).

+ sobre o MASP:

http://www.masp.art.br/masp2010/exposicoes_emcartaz.php

Inimigos no Jogo, Amigos na Arte.

2010-11-18T16:53:00.003-03:00

Todos sabem que Brasil e Argentina são eternos rivais no jogo, infelizmente, tal cultura já está instalada desde muitos anos em nossas culturas, coisa boba, mais que perdura... O que de fato não é natural citar são as aproximações entre tantos outros quesitos entre os dois países. Aqui no Arte Paralela a intenção é somar e não diminuir, e como faz parte do trabalho desse Blog divulgar a Arte produzida nos países vizinhos e "irmãos" esse post é dedicado a isso.

Também é interessante comentar a referência que a cidade de Buenos Aires possui, que por ser a capital e por ser turisticamente a mais conhecida, se torna o centro das atenções, no entanto, um pouco mais ao centro-norte, está a capital Córdoba (do estado que leva o mesmo nome) e que é uma grande cidade de valor artístico-cultural.

Lá, entre tantos Museus, está o Museu Municipal Genaro Pérez, no qual está em cartaz, dentre outras mostras, a exposição "A. Monguzzi" realizada pelo grupo "Cometen" (Cometem, do verbo cometer).

A todos les he sabido que Brasil y Argentina son eternos rivales en la cancha, infelizmente, tal cultura ya la tenemos enraizada desde hace años, es una tontería, pero se perdura... Pero, lo que de hecho no es casi normal citar son las otras tantas aproximaciones que existen entre los dos países. Acá en el Arte Paralela la intención es sumar valores al revés de quitárselos, y por hacer parte del trabajo de este blog tal voluntad, este post está dedicado a eso.
Está bien, también, hacer la cita a la referencia que la ciudad de Buenos Aires posee por ser la capital y por ser la más conocida turísticamente, volviéndose el centro de las atenciones, pero, poco más al centro-norte, se ubica la capital Córdoba (de la provincia que lleva el mismo nombre) que es una ciudad de valor cultural-artístico muy importante.
Entre tantos Museos que tiene la ciudad, está el Museo Municipal Genaro Pérez en lo cual está en la cartelera, entre otras muestras, la exposición de A. Monguzzi, realizada por el grupo "Cometen" (nombre que proviene del verbo "cometer").

(da esquerda para a direita: Eugenia, Cecilia, Ivan e Sofia)

O grupo "Cometen" é organizado por duas artistas plásticas, também produtoras de arte e formadas pela Universidade de Córdoba; Florencia Cava e Rocio Juncos. A idéia surgiu com a intenção de que, a cada exposição realizada pelo "Cometen" seriam convidados artistas para realizarem suas idéias, e cada uma dessas apresentações seriam denominados "Atos". Portanto, após o lançamento do "Ato 0", o grupo de artistas plásticos citado acima realizaram com a instalação de A. Monguzzi o "Ato 1".

El grupo "Cometen" es coordinado por dos artistas plásticas, también productoras de arte y egresadas de la Universidad de Córdoba; Florencia Cava y Rocio Juncos. La idea surgió con la intención de que, a cada exposición realizada por el "Cometen" serian invitados artistas para realizaren sus ideas, y cada una de esas presentaciones serian nombrados "Actos". Luego, tras la inauguración del "Acto 0", el grupo de artistas plásticos citados arriba realizaron con la instalación de A. Monguzzi el "Acto 1".

A exposição foi montada no rol de respiro do Museu, já que sua dinâmica era "fazer de conta" que esse espaço criativo simulasse a casa de um tal artista chamado A. Monguzzi (nome fictício). O grupo de artistas chegou a esse objetivo quando trocavam e-mails imaginando o que poderiam fazer no "Ato 1" até que perceberam que suas práticas particulares nas artes plásticas podiam somar-se no ateliê de um artista inexistente, mais que, pode passar a existir desde que o reconheçam dentro desse espaço expositivo.

La exposición fue armada en el pasillo del Museo, ya que su dinámica era "hacerse de cuenta" que ese espacio creativo simulara la casa de un tal artista llamado A, Monguzzi (nombre ficticio). El grupo de artistas coincidió en ese objetivo cuando mensajeaban correos planteando ideas de lo que podrían hacer para el "Acto 1" hasta que se dieron cuenta de que sus prácticas particulares como artistas plásticos podrían sumarse en el taller de un artista inexistente, pero que, podría pasar a existir desde que lo legitimaran adentro de ese espacio expositivo.

No dia da abertura da exposição todos podiam interagir com o espaço criado, folhear os livros lidos pelo artista, conhecer um pouco mais seus detalhes, manias e esquisitices. A proposta foi bem clara e inteligente para tocar em assuntos como: a função do Museu para o artista, o poder que o discursso trabalha na imagem, e demais paradigmas complicados...

A exposição continua em cartaz e mais informações seguem no site do Museu.

En el día de la abertura de la exposición todos podían interactuar con el espacio creado, hojear los libros leídos por el artista, conocer un poco más sobre sus detalles, costumbres y rarezas. La propuesta fue muy clara e inteligente para hacer hincapié en asuntos tales como: la función del Museo para el artista, el poder que el discurso tiene sobre la imagen, y otros tantos temazos del arte...

La exposición sigue en cartelera y más infos sobre la muestra se tiene en la dirección de web.

+ sobre o Museu:

http://www.museogenaroperez.org.ar/

+ sobre o grupo "Cometen":

http://cometen.wordpress.com/

Falando em Arte...

2010-11-10T23:19:00.001-03:00

O Centro Cultural Güear - revista cultural e guia de viagem - está situado na cidade de Colônia do Sacramento (Colonia del Sacramento - Uruguay) já foi citado anteriormente nesse Blog e agora apresenta sua versão web, a qual abre um espaço para colunistas de Arte, do qual Luisa Brandt, criadora e curadora do Arte Paralela, faz parte! Esta parceria se deu devido ao constante contato entre ambos Espaços de Arte interessados em fazer da comunicação da Arte uma corrente que não mede barreiras!

El Centro Cultural Güear - revista cultural y guía de viaje - se encuentra ubicado en la ciudad de Colonia del Sacramento (Uruguay), el cual ha sido citado ulteriormente en ese Blog y ahora presenta su versión en la web, con un sector para columnistas de Arte que incluye a Luisa Brandt, creadora y curadora del Arte Paralela. Esta comuñón se dio debido al constante contacto entre ambos Espacios de Arte interesados en hacer de la comunicación del Arte una corriente que no mide barreras!

+ site güear:

http://guear.com/guear/index.php

+ güear no arte paralela:

http://arteparalela.blogspot.com/2010/06/guear-arte-musica-literatura-um-bom.html

E falando em Arte...

Hablando en Arte...

... o Blog-Galeria SUBIARTE, YA! que também é parte projeto Arte Paralela, foi citado no jornal virtual "El Periodista" (O Jornalista) da cidade de "Tres Arroyos", estado de Buenos Aires - Argentina. A coluna relatou e comentou a exposição virtual do artista "tresarroyense" Gonzalo Duport, que esteve em cartaz no SUBIARTE, YA! no mês de setembro de 2010, com todas suas obras a venda (e que siguem a venda no acervo da galeria!).

... el Blog Galería SUBIARTE, YA! que es también parte del proyecto Arte Paralela, fue citado en el periódico virtual "El Periodista" de la ciudad de "Tres Arroyos", provincia de Buenos Aires - Argentina. La columna relató y comentó la exposición virtual del artista "tresarroyense" Gonzalo Duport, que estuvo en la cartelera en el SUBIARTE, YA! el mes Septiembre del corriente, con todas sus obras en venta (y que siguen en venta en la colección de la galería!).

O Arte Paralela agradece por todas formas de divulgação. Somente assim o trabalho "blogueiro" cresce, os artistas ganham seu espaço e o público é premiado com mais informação e conhecimento.

El Arte Paralela agradece por todas las formas de difusión que nos han dado para promover el Blog. Solamente de esta manera es que el trabajo de los "blogueros" crece, que los artistas ganan su espacio y el público se brinda con más información y conocimiento!

+ El Periodista:

http://www.elperiodista3a.com.ar/archivo.php?dia=20&mes=9&an=2010

+ Blog-Galeria SUBIARTE, YA!:

http://subiarte.blogspot.com/

+ Gonzalo no SUBIARTE, YA!:

http://subiarte.blogspot.com/2010/09/en-la-carteleraem-cartaz_16.html

Gonzalo Duport y la Crítica de Luisa Brandt.

2010-10-18T18:05:00.000-03:00

Aconteceu na cidade de La Plata (Buenos Aires) a exposição "Cidades de um Tal Duport", no Centro Cultural Panorama, um lugar muito aconchegante e interessante, atualizado no quesito Arte Contemporânea. O artista plástico argentino (de Tres Arroyos) Gonzalo Duport, que também esteve em exposição no Blog-Galeria SUBIARTE, YA!, expôs suas obras em grande estilo que foram acompanhadas da crítica de Luisa Brandt. Essa reunião entre arte e crítica só foi possível acontecer graças à credibilidade que se deu à arte do artista e o respeito da crítica!

Bom Trabalho!

Ocurrió en la ciudad de La Plata (Buenos Aires) la exposición "Ciudades de un Tal Duport", en el Centro Cultural Panorama, un lugar muy hermoso y comodo, super interesante y involucrado con el Arte Contemporáneo. El artista plástico argentino (de Tres Arroyos) Gonzalo Duport, que también estuvo en exposición en el Blog Galería SUBIARTE, YA!, expuso sus obras con gran honor acompañadas de la crítica de Luisa Brandt. Esta comuñón entre arte y crítica solo se hizo posible gracias a lo que lograron confiar el artista y la crítica con sus trabajos y el respeto entre ambos!

Exitos!

+ sobre Centro Cultural Panorama:

http://www.panorama.org.ar/

León Ferrari: Brinquedos politicamente Contestáveis...

2010-09-24T15:14:00.003-03:00

A imagem do inferno "invertido" é a porta de entrada para a exposição "Juguetes" (Brinquedos) de León Ferrari (1920), artista plástico argentino, de Buenos Aires. Sua formação foi em engenharia, apesar de sua grande performance nas Artes Plásticas. Apenas nos anos 60 é que sua obra começa a aparecer e tomar corpo dentro do universo artístico argentino e posteriormente, internacional.

El imagen del infierno "invertido" es el portal para que se entre en la exposición "Juguetes" de León Ferrari (1920), artista plástico argentino, de Buenos Aires. Es egresado de engeñaría a pesar de su gran performance en las Artes Plásticas. Solamente en los años 60 es que su obra empiezo a aparecer y ganar cuerpo adentro del universo artístico argentino, y luego, internacionalmente.

As obras apresentadas nesta exposição, na galeria Turbo (bairro Palermo da cidade de Buenos Aires) se referem à produção de brinquedos "manipulados" produzidos desde os anos 2004 até os dias atuais. Sua discussão é sobretudo quanto aos conceitos sociais instaurados por anos e anos, séculos e séculos... e que de alguma forma, na "brincadeira" permitem que a leitura seja irônica, sarcástica e polêmica.

Las obras presentadas en esta exposición, en la Turbo Galería (barrio Palermo de la ciudad de Buenos Aires) se refieren a la producción de juguetes "manipulados" producidos desde los años 2004 hasta los días actuales. Su discusión dice respeto, sobre todo, a los conceptos sociales instaurados desde hace años y años, siglos y siglos... y que de alguna manera, en el "juego" se permiten realizar lecturas irónicas, sarcásticas y polémicas.

Suas obras vão desde um carrossel onde os santos estão abaixo ("terra") e os demônios acima ("céu") até torradeiras de plástico que "torram" ícones religiosos. Ao "quebrar" a estética kitsch dos objetos de santeria com os brinquedos moderninhos de plástico, o artista cria sua linguagem por meio de paradoxais controvérsias... de fato, cabe o contestamento no que se refere ao que supostamente está em julgamento no conteúdo inteligível dessas peças: são os conceitos que fazem da imagem uma referência ou são as referências que acabam transformando símbolos em conceitos?

Sus obras abarcan desde una calesita en donde los santos están abajo ("tierra") y los demonios arriba ("cielo") hasta tostaderas de plástico que "queman" íconos religiosos. Al "quebrar" la estética kitsch de los objetos de santería creando nuevos objetos con los juguetes modernitos de plástico, el artista hace surgir su lenguaje por el medio de controversias paradojas... de hecho, le toca a la gente contestar a que se refiere lo que supuestamente está en juzgamiento en el contenido inteligible de esas piezas: ¿son los conceptos que hacen del imagen una referencia o son las referencias que terminan transformando símbolos en conceptos?

Uma das obras clássicas do acervo de León Ferrari é a do Cristo "sobre" o avião de guerra, obra esta que causa desde gargalhadas até ódios mortais pelo artista...! A questão em discussão, portanto - além do choque que causa a imagem - pode ir muito além de um mero julgamento moralista sobre o que é que levou o artista a produzir tal obra a "sustentar" sua pesquisa: aproximar dois objetos que se tensionam é uma das vertentes da produção artística contemporânea, no entanto, também não é novidade tal "fusão" em outras áreas de conhecimento científico, social, etc.

Una de las obras clásicas de la colección de León Ferrari es la del Cristo "sobre" el avión de guerra, obra esta que le causa a la gente desde carcajadas hasta odio mortal por el artista...! La cuestión en discusión, por lo tanto - además del choque que causa el imagen - puede irse más allá de un simple juzgamiento moralista sobre lo que es que lo llevo el artista a producir tal obra y "sostener" su investigación, ya que, acercar dos objetos que se tensionan es una de las vertientes de la producción artística contemporánea, y, sin embargo, tampoco es novedoso este tipo de fusión en otras áreas del conocimiento científico, social, etc.

Porém, apesar de Ferrari ter, seus propósitos marcadamente claros com sua obra, o que pode vir a gerar desde a percepção de cada um já não diz respeito à percepção do artista como indivíduo, e sim, à leitura que se dá ao jogo de signos que ali se conectam, que não são nem incompreensíveis, muito menos desconhecidos; são apenas, conceitos, e talvez, já conformados.

Pero, a pesar de Ferrari tener, sus propósitos marcadamente claros con su obra, lo que puede venir a generarse desde la percepción de cada uno, no dice respeto a la percepción del artista como ser individual, sino que, a la lectura que se da al juego de signos que allí se conectan, que no son ni incomprensibles, ni desconocidos; son, apenas, conceptos, que quizás, desde hace mucho tiempo ya están corfomados.

+ sobre o artista:

http://www.leonferrari.com.ar/

+ sobre a galeria:

http://www.turbogaleria.com/

Exposição "Juguetes" (Brinquedos):
04/09 - 09/10

Quarta a Sábados 16h - 20h
Miércoles a Sábados 16h-20h

Costa Rica, 5827, Palermo, Buenos Aires, Argentina.

** Obrigada ao pessoal da Galeria Turbo por permitirem a toma de fotos**
** Gracias al personal de la Turbo Galería por permitiren sacarse fotos**

Os 9 de Brasília.

2010-09-09T19:42:00.000-03:00

O Blog Arte Paralela inaugura o "quadro" Ensaios Paralelos, com o objetivo de exibir textos enviados por artistas ou pesquisadores de arte, críticos, historiadores, curadores, etc, contando sobre a participação em algum "momento arte" de um evento, situação, devaneio...

Para inaugurar o "quadro" o artista plástico Felipe Olalquiaga (1988) natural de Lavras (MG) e estudante da Universidade de Brasília (DF) conta sobre a problemática do circuito artístico do Distrito Federal e a realização do projeto POSSIBILIDADES que gerou a exposição de mesmo título que está em cartaz no MUnA (Museu Universitário de Arte - Universidade Federal de Uberlândia, MG).

El Blog Arte Paralela inaugura el "cuadro" Ensayos Paralelos, con el objetivo de exhibir textos enviados por artistas o investigadores de arte, críticos, historiadores, curadores, etc, que cuenten sobre la participación en algún "momento arte" de un evento, situación, devaneo...

Para inaugurar el "cuadro" el artista plástico Felipe Olalquiaga (1988) que nació en Lavras, MG, Brasil y es estudiante de la Universidad de Brasília, DF, Brasil cuenta sobre la problemática de la movida artística del Distrito Federal y la realización del proyecto POSIBILIDADES que resulto en la la exposición de mismo título que está en la cartelera del MUnA (Museo Universitario de Arte - Universidad Federal de Uberlândia, MG, Brasil).

Nove artistas, nove estudantes, nove amigos. Em comum, a vontade de produzir, a vontade de quebrar os eixos, e sair da mesmice. Assim surge a proposta do coletivo. Em nossas bebedeiras cotidianas e em nossos “pseudo” papos intelectuais - já afetados pelo álcool - sempre tínhamos a mesma conversa; como a produção artística do distrito federal era tão rica e tão pouco explorada. Pesquisando os resultados dos salões nacionais, percebíamos que predominam artistas cariocas e paulistas.

Nueve artistas, nueve Estudiantes, nueve amigos. En común, las ganas de producir, las ganas de romper los ejes, de salir de lo rutinero. Es así que surge la propuesta del colectivo. En nuestros ebrios encuentros cotidianos y nuestras “pseudo” charlas intelectuales – ya empedados – siempre teníamos la misma conversa; como la producción artística del distrito federal es tan buena y tan poco valorada. Al investigar los resultados de los salones nacionales, nos dábamos cuenta de que siempre hay predominio de los artistas del Rio de Janeiro y São Paulo.

A percepção do potencial do trabalho dos artistas plásticos do Distrito Federal era equânime a revolta interna que cada um possuía por não tomar atitudes para que isso mudasse. Então numa dessas madrugadas decidimos que teríamos que tomar alguma atitude em relação a isso. Começamos a mandar projetos em massa para todos os salões que encontrávamos abertos. Reuníamo-nos durante os finais de semana para produzirmos juntos o projeto, já que, até então, cada um tinha o seu projeto individual.

La percepción del potencial del trabajo desarrollado por artistas plásticos do Distrito Federal era ecuánime a la indignación interna que uno poseía por no tomar actitudes para que esto cambiara. Entonces en alguna de esas madrugadas decidimos que tendríamos que tomarnos de alguna acción en relación al tema. Empezamos a enviar proyectos “en masa” para todos los salones que estaban recibiendo inscripciones. Nos encontrábamos en los finales de semana para producirnos el proyecto en conjunto, ya que, hasta este momento, cada uno trabajada apenas en su proyecto individual.

No entanto, como éramos um grupo a procura dos mesmos objetivos, pensamos: Porque não escrevemos projetos coletivos de ocupação de galeria? Entre muitos dos projetos escritos surgiu o projeto POSSIBILIDADES, resultando na exposição do MUnA. Alguns artistas do coletivo já tinham exposto no Museu e sempre tínhamos ouvido falar muito bem da equipe que trabalhava lá. E realmente eles fizeram juízo da fama que possuem, pois são muito organizados, muito profissionais e nos receberam de forma muito amistosa.

Entonces, como éramos un grupo en búsqueda de los mismos objetivos, pensamos: ¿Por qué no escribimos juntos proyectos para ocupar las galerías? Entre muchos de los que escribimos surgió el POSIBIILIDADES, que resultó en la exposición que está en el MUnA. Algunos artistas del colectivo ya habían expuesto antes allá y siempre escuchábamos hablar bien del equipo de trabajo que tiene. De hecho, ellos cumplieron con el rol que les dio la fama, porque son muy organizados, muy profesionales y nos recibieron de manera bien amistosa.

A exposição “Possibilidades” é especial para mim por diversos motivos, primeiramente porque foi a primeira exposição que realizei com o grupo e segundo porque muitos de nós pudemos ir para Uberlândia para a abertura da exposição. Além disso, o espaço é muito legal e eles possuem a prática de na abertura realizar uma conversa com os artistas aberta para o público. Isso tornou muito mais interessante a exposição, pois as trocas de experiências foram muito mais efetivas. Tivemos o prazer de expor juntamente com a artista Natália de Oliveira, estudante de artes da UFU, que também nos acolheu de forma muito carinhosa e nos acompanhou em todas as nossas bebedeiras por Uberlândia.

La exposición “Posibilidades” es especial por muchos motivos, en primer lugar porque fue la primera exposición que hice junto al grupo y en segundo porque pudimos viajar para la ciudad de Uberlândia para la abertura. A parte el espacio es muy interesante porque ellos tienen la costumbre de realizar una charla con los artistas en el día de la abertura para que el público participe. Esto fue lo que volvió aún más interesante la exposición, porque los cambios de experiencia fueran mucho más afectuosos. Tuvimos el placer de exponer juntamente de la artista Natália de Oliveira, estudiante de artes da UFU, que también nos recibió de forma muy cálida y nos acompaño en nuestras “cerveceras” por Uberlândia.

Considero-me muito sortudo por ter participado de todo esse processo, de poder trabalhar com amigos, de poder ter esse espaço de discussão, de poder expor minhas idéias e esperar que todos dêem seus palpites a respeito, trabalhamos de uma forma muito sincera, quando gostamos elogiamos, quando não gostamos criticamos, jogamos idéias esperando que alguém surja com uma solução para a resolução da obra e por ai vamos... Fazer parte desse grupo de artistas, o qual acredito muito no trabalho individual de cada um e no projeto como coletivo, tem sido uma experiência muito gratificante, e aos poucos os resultados vão surgindo...

Considero tener mucha suerte por Haber participado de todo ese proceso, lo de poder trabajar con amigos, de poder tener el espacio de discusión, de poder exponer mis ideas y esperar que todos me den sus sugerencias respeto mi obra, trabajamos de una forma muy sincera, cuando nos gusta algo felicitamos, si no nos gusta lo criticamos, tiramos ideas al aire para que uno se la agarre y trate de solucionarla o dar una nueva idea, y así vamos… Hacer parte de este grupo de artistas, lo cual creo mucho tanto en cada uno por separado como en el conjunto, ha sido una experiencia muy gratificante, y de a poco los resultados van a surgir…

Felipe Olalquiaga (1988) nasceu em Lavras (MG) Brasil. Desde o ano 2007 mudou-se para Brasília para estudar na UnB (Universidade de Brasília). Sua linguagem artística decorre do trabalho com a fotografia e a variedade de suportes que pode trabalhar a técnica. Além disso, pesquisa transgênero e faz parte do grupo Corpos Informáticos (Vídeo, Performance, Tele-Presença, Composicão Urbana).

Felipe Olalquiaga (1988) nació en Lavras (MG) Brasil. Desde el 2007 se mudo para Brasília para estudiar en la UnB (Universidad de Brasília). Su lenguaje artístico deviene del trabajo con la fotografia y la diversidad de soportes que puede trabajar la técnica. Además, investiga transgenero y hace parte del grupo Corpos Informáticos (Video, Performance, Tele-Presencia, Composición Urbana).

+ sobre o artista:

http://www.corpos.org/

+ contactos:

felipeolalquiaga@gmail.com

Exposição POSSIBILIDADES

Exposición POSIBILIDADES

André Mota Barroso

Camila Soato

Fábio Baroli

Felipe Olalquiaga

Isabela Rocha

Luiza Mader Paladino

Márcio Mota

Moisés Crivelaro

Nuara Vicentini

Visitação: até o dia 17 de setembro. Seg-Sex, 8h30-17h.

00 55 34 32317708

Praça Cícero Macedo, 309 - Bairro Fundinho. Uberlândia, MG, Brasil.

Visita: hasta el 17 de septiembre. Lu-Vi, 8h30-17h.

00 55 34 32317708

Plaza Cícero Macedo, 309 - Barrio Fundinho. Uberlândia, MG, Brasil.

+ sobre o museu:

http://www.muna.ufu.br/

Visões Paralelas: Laura Spivak

2010-09-06T16:13:00.002-03:00

O "quadro" Visões Paralelas (depois de algum tempo desaparecido!) retorna com a análise da exposição da artista plástica argentina Laura Spivak na Visão da estudante de Design de Interiores, Ximena Guzman.

La "sección" Visiones Paralelas (después de darse por desaparecido algún tiempo!) vuelve con el análisis de la exposición de la artista plástica argentina Laura Spivak en la Visión de la estudiante de Diseño de Interiores, Ximena Guzman.

A exposição se intitula "El eco de sus risas" (O eco de suas risadas) e está em exibição na galeria "Braga Menéndez - Arte Contemporânea" no bairro Palermo da cidade de Buenos Aires (Argentina).

A artista plástica autora das obras se chama Laura Spivak (1976), natural da Argentina (Mar del Plata). Nesta mesma cidade, estudou e se formou pela Escola de Artes Visuais "Martín Malharro" e em seguida foi selecionada pela Secretaria de Cultura da Nação para realizar uma residência em Santa Cruz de la Sierra (Bolívia). Mora e trabalha em Buenos Aires; já trabalhou no Centro Cultural Borges no setor de seleção e gestão de projetos e atualmente é coordenadora curatorial do Centro Cultural Espanha.

La exposición se intitula "El eco de sus risas" y está en exhibición en la galería "Braga Menéndez - Arte Contemporánea" en el barrio Palermo de la ciudad de Buenos Aires (Argentina).

La artista plástica autora de las obras se llama Laura Spivak (1976), que nació en la Argentina (Mar del Plata). En esta misma ciudad estudió y se recibió en la Escuela de Artes Visuales "Martín Malharro" y luego fue seleccionada por la Secretaria de Cultura de la Nación para hacer una residencia en Santa Cruz de la Sierra (Bolivia). Vive y trabaja en Buenos Aires; ha trabajado en el Centro Cultural Borges en el sector de selección y gestión de proyectos y actualmente es la coordinadora curatorial del Centro Cultural España.

A obra da artista transita por temáticas que dizem respeito ao corpo e sua manifestação pública. Acima de tudo, se interessa por estabelecer uma comunicação entre a representação do corpo e a palavra liberdade (assim como as significações que o termo pode gerar). Em outros momentos, sua obra se focava na questão da sexualidade, com o uso de imagens de crianças, as quais podiam viabilizar a aproximação com a sensação de "ser livre".

Na exposição em cartaz dialoga com esse "ser livre" que está camuflado por entre as paisagens da natureza, paisagens que aludem à fantasia e a brincadeira das crianças. Por isso, ecoam risadas... e desde aí, se pode criar outras inúmeras leituras no que diz respeito à liberdade ou ao espírito que em si esta palavra ocupa.

La obra de la artista cruza por temáticas que dicen respeto al cuerpo y su manifestación pública. Más allá de esto, se interesa por establecer una comunicación entre la representación del cuerpo y la palabra libertad (e incluso las significaciones que el término puede generar). En otros momentos, su obra se direccionaba en la cuestión de la sexualidad, con el uso de imágenes de niños, los cuales podrían lograr la intención de la sensación de "ser libre".

En la exposición en la cartelera dialoga con el "ser libre" que está camuflado de entre los paisajes de la naturaleza, paisajes que sugieren la fantasía y los juegos de los niños. Por eso, el eco de las risas... y desde este punto, se puede criar otras inúmeras lecturas a lo que dice respeto a la libertad o al espíritu que en si esta palabra ocupa.

A estudante Ximena Guzman, 18 anos, é natural de Santa Cruz de la Sierra (Bolívia) e escolheu a cidade de Buenos Aires para viver e estudar o curso de Design de Interiores. Como tarefa de uma de suas matérias da universidade (UP - Universidade de Palermo) visitou à exposição de Laura Spivak e contribuiu ao Blog Arte Paralela dando sua Visão Paralela sobre o que observou.

La estudiante Ximena Guzman, 18 años, nació en Santa Cruz de la Sierra (Bolivia) y eligió la ciudad de Buenos Aires para vivir y estudiar la carrera de Diseño de Interiores. Como de tarea para una clase de la universidad (UP - Universidad de Palermo) visito a la exposición de Laura Spivak y contribuyo para el Blog Arte Paralela dándonos su Visión Paralela sobre lo que vio.

De início, o que mais lhe chamou a atenção foi o espaço da galeria, a sala branca e espaçosa de com um tamanho ideal para a mostra. Percebeu aí a diferença do espaço expositivo da galeria em relação ao museu, além de compreender o fato de ser um espaço apropriado à Arte Contemporânea.

Ao aproximar-se das obras, escutou a música que tocava nesse momento; era como batuques de tambor, e que coincidia com a cena que via, ou seja, o verde da mata e os olhos dos meninos entrelaçados nela.

De pronto, lo que más le genero atención fue el espacio de la galería, el salón blanco y amplio con el tamaño ideal para la muestra. Se dio cuenta desde ahí de la diferencia del espacio expositivo de la galería en relación al museo, además de comprender el hecho de ser un espacio apropiado al Arte Contemporáneo.

Al aproximarse de las obras, escucho la música que sonaba en este momento; era algo como el sonido de tambores, lo que coincidía con la escena que miraba, es decir, el verde de la selva y los ojos de los niños enredados en ella.

Ao aproximar-se das obras, teve a sensação de que a imagem "mudava", que variava sua percepção ao vê-las de longe. Isso foi possível devido a quantidade de matizes que a artista utiliza, que criam a ilusão de sombras, e que, pela análise da estudante, dá a sensação de 3D - o que gera vontade de aproximar-se e afastar-se, e ao mesmo tempo, a sensação de estar dentro desse "cenário", a floresta.

Al acercarse de las obras, tuvo la sensación de que la imagen "cambiaba", que variaba su percepción al verlas de lejos. Esto se hizo posible debido a la cantidad de matices que la artista utilizaba, que crean la ilusión de sombras, y que, por el análisis de la estudiante, da la sensación de 3D - lo que da ganas de acercarse y alejarse, y al mismo tiempo, la sensación de estar adentro de ese "escenario", la selva.

Outro ponto interessante citado diz respeito a criatividade da artista. Ela pode perceber que sua obra é bastante autoral, ou seja, que é uma linguagem própria, nova, sem precedentes de uma história antiga ou medieval, ou mesmo, uma história moderna. Na verdade, o que de alguma forma entendeu Ximena foi a intenção com o que se produz atualmente, ou seja, compreendeu em sutis toques que a produção contemporânea propõe, de alguma forma, desvincular-se de certas amarras históricas ou simbólicas, e vincular-se mais com "histórias de vida" ou "histórias de problemáticas do mundo contemporâneo".

Otro punto interesante citado dice respeto a la creatividad de la artista. Ella se dio cuenta que si obra es demasiado autoral, es decir, que es un lenguaje propio, nuevo, sin precedentes de una historia antigua o medieval, ni tampoco, una historia moderna. La verdad, es que lo que entendió Ximena fue la intención con la cual se produce actualmente, o sea, comprendió en toques sutiles que la producción contemporánea plantea, de algún modo, no involucrarse más con ciertos criterios históricos o simbólicos, para vincularse a "historias de vida" o "historias de problemáticas del mundo contemporáneo".

Além disso, a estudante se interessou muito em como a organização da exposição no espaço a permitiu sentir-se dentro de alguma cena, tanto pela música como pela estrutura das pinturas, que mostram - entre frestas - os olhos curiosos de crianças, numa proporção "gigante" junto a joaninha vermelha, que contrasta com o verde das folhas, transformando todo esse conjunto numa imersão ao imaginário da artista.

Además, la estudiante se intereso mucho en la organización de la exposición en el espacio que la permitió sentirse adentro de una escena, tanto por la música como por la estructura de las pinturas, que muestran - de entre capas - los ojos curiosos de los niños, en una proporción "gigante" junto a la "mariquita" roja, que contrasta con el verde de las hojas, transformando todo ese conjunto en una inmersión al imaginario de la artista.

Após visitar a exposição Ximena conheceu o acervo da galeria e pode ver outros trabalhos de Laura Spivak, o que a possibilitou ver outras obras e comparar as temáticas utilizadas anteriormente, porém, já sabia identificar traços muito característicos da obra: "é bom conhecer um pouco mais da obra de um artista pois assim poderá lembrar sempre sobre quem é, além de não esquecer seu nome e seu estilo de trabalho", conta.

Luego de visitar la exposición Ximena conoció la trastienda de la galería y pudo ver otros trabajos de Laura Spivak, lo que le posibilito ver a otras obras y comparar las temáticas utilizadas ulteriormente, sin embargo, ya sabía identificar rasgos muy característicos de la obra: "está bueno conocer un poco más de la obra de un artista porque así te acordarás siempre sobre quien es, además de no olvidar su nombre y su estilo de trabajo", cuenta.

Ximena Guzman, 18 anos, é boliviana de Santa Cruz de la Sierra e estuda na Universidade de Palermo.
A exposição de Laura Spivak está em Cartaz até o dia 2 de outubro de 2010.
Galeria Braga Menéndez - Humbolt, 1574, bairro Palermo (Buenos Aires, AR).

Ximena Guzman, 18 años, es boliviana de Santa Cruz de la Sierra y estudia en la Universidad de Palermo (UP).
La exposición de Laura Spivak está en la Cartelera hasta el 2 de octubre el 2010.
Galería Braga Menéndez - Humbolt, 1574, barrio Palermo (Buenos Aires, AR).

+ sobre a artista:
http://www.lauraspivak.com.ar/
+ sobre a galeria:
http://www.galeriabm.com/
+ sobre Universidade Palermo:
http://www.palermo.edu/

** Obrigada Guido por ter permitido fotografar a exposição! **

** Gracias a Guido por haber permitido fotografiar la exposición!**

O "quadro" Visões Paralelas se trata de um espaço de discussão entre o Blog Arte Paralela (mediado por Luisa Brandt) e o convidado. O tema para a discussão, ou análise, pode surgir de um encontro em uma exposição, ou outro evento cultural.

Para participar basta enviar um e-mail a brandt.luisa@gmail.com. Os encontros se dão pessoalmente ou, é claro, virtualmente.

La sección Visiones Paralelas se concibe en un espacio de discusión entre el Blog Arte Paralela (mediado por Luisa Brandt) y el invitado. El tema para la discusión, o análisis, puede generarse desde un encuentro en una exposición, u otro evento cultural.

Para participar basta enviar un mailing al correo de brandt.luisa@gmail.com. Los encuentros ocurren o en vivo, o virtualmente.

SUBIARTE, YA!: Um novo conceito de galeria!

2010-08-30T17:50:00.002-03:00

O Blog-Galeria SUBIARTE, YA! é um novo conceito de galeria de arte, onde os artistas plásticos podem exibir suas obras e divulgar virtualmente, acompanhadas de textos críticos que concebem a idéia do trabalho artístico de maneira poética e dinâmica, fortalecendo suas produções e visibilidade no mercado.

El Blog Galería SUBIARTE, YA! es un nuevo concepto de galería de arte, dónde los artistas plásticos pueden exhibir sus obras y difundir virtualmente, acompañadas de textos críticos que tratan de legitimar el trabajo artístico de manera poética y dinámica, dándole fuerza a sus producciones y visibilidad en el mercado.

As obras em exposição estão a venda durante 15 dias e podem eventualmente serem leiloadas. O sistema de pagamento se organiza pelo "Western Union" que é uma maneira segura e prática de transitar dinheiro entre pessoas de países diferentes; e o sistema de entrega de obras se dá pelos correios de cada localidade. Todos os detalhes sobre comprar e vender devem ser consultados no link situado ao lado direito (na imagem das molduras) onde diz "Como comprar obras".

Las obras en exposición están en venta a lo largo de 15 días y pueden a cada tanto ser subastadas. El sistema del abono se arregla por el "Western Union" que es una manera segura y práctica de tramitar dinero entre personas de distintos países; y el sistema de entrega de obras se hace por los correos de cada localidad. Todos los detalles sobre la compra y venta de obras deben ser consultados en el link que se figura al lado derecho (en la imagen de los marcos) dónde dice "Como comprar obras".

O Blog-Galeria além de realizar exposições, abre discussões sobre temáticas que abordam o mercado da Arte, a vida dos artistas, o que eles pensam, como produzem, em que se baseiam... Estes pontos são importantes para serem discutidos a fim de que se possa aprender sobre a profissão do artista plástico.

El Blog Galería además de realizar exposiciones, plantea discusiones sobre temáticas que abordan el mercado del Arte, la vida de los artistas, lo que piensan, como producen, en que se embasan... Estos puntos son muy importantes de ser discutidos para que se pueda aprender sobre la profesión del artista plástico.

Quando forem realizados os leilões serão visadas doações a instituições de caridade, com o objetivo de engrandecer o projeto no critério social. Além disso, a idéia de trabalhar com artistas latino-americanos possibilita o intercâmbio cultural entre os países, suas culturas e diálogos poético-artísticos.

Cuando se realicen las subastas serán visionadas donaciones a las instituciones de caridad, con el objetivo de engrandecer el proyecto en el criterio social. Además, la idea de trabajar con artistas latinoamericanos posibilita el intercambio cultural entre los países, sus culturas y diálogos poético/artístico.

O Blog-Galeria é virtual mas também se promove por meio de folders em papel, como forma de criar outros circuitos de divulgação!

El Blog Galería es virtual pero igual se promueve por medio de folletos en papel, como posibilidad de crear otros circuitos de difusión!

Sejam Bem-Vindos ao espaço SUBIARTE, YA! desde agora:

Que sean bienvenidos al espacio SUBIARTE, YA! desde ya:

http://subiarte.blogspot.com/

"Central de Proyectos" - Uma Galeria para Artistas.

2010-08-17T14:55:00.000-03:00

foto: http://www.centraldeproyectos.net/

A Central de Proyectos (Central de Projetos) é um espaço destinado à produção de Arte Contemporânea na Argentina - mais especificamente, situado no bairro Recoleta, na cidade de Buenos Aires - e que, pode-se denominar, como uma Galeria PARA Artistas e, não apenas, uma Galeria DE Artistas.

A sutil diferenciação de palavras enriquesse o "papel" dessa Galeria que ao invés de somente expor as obras, as coloca a disposição do público para serem conhecidas, de fato.

O lugar é pequeno e muito simpático, bem ilumidado e possui um significante acervo de obras de artistas argentinos da cena atual. Uma ótima alternativa para a difusão da produção contemporânea de Arte, já que, os espaços as vezes não se demonstram tão abertos para que o público entre e disfrute o momento, com a real intensão que esse disfrute pode ter - na Central de Proyetos é permitido manusear as obras e "vasculhar" as caixas onde os trabalhos ficam guardados (obvio, com muito cuidado).

Está aprovadíssima a Galeria e merece uma visita (mesmo que não seja ao vivo, pode ser virtual!)

A exposição em cartaz atualmente é da artista plástica ilustradora Irene Singer (último post).

foto: http://www.centraldeproyectos.net/

La Central de Proyectos es un espacio destinado a la producción del Arte Contemporáneo en la Argentina - ubicada en el barrio Recoleta en la ciudad de Buenos Aires - y que se puede denominar como una Galería PARA Artistas, y no apenas, una Galería DE Artistas.

La sencilla diferenciación entre las palabras enriquece el "rol" de esa Galería que, en lugar de solamente exponer las obras, se las pone a disposición del público para que sean conocidas, de hecho.

El lugar es pequeño y hermoso, está bien iluminado y posee una significante colección de obras de artistas argentinos de la movida actual. Una perfecta alternativa para la difusión de la producción contemporánea del Arte, ya que, los espacios, a veces, no se demuestran tan abiertos para que el público entre y disfrute del momento, con la real intensión que este "disfrute" puede tener - en la Central de Proyectos está permitido manipular las obras y "chusmear" las cajas en donde los trabajos se quedan guardados (obvio, con cuidado).

Esta re aprobada la Galería y merece una visita (aún que no sea en vivo - hay un sitio de web).

La última exposición en la cartelera es de la artista plástica ilustradora Irene Singer (último post).

+ sobre a galeria:

http://www.centraldeproyectos.net/

Exposição "Entre Textos" de Irene Singer.

2010-07-28T03:32:00.000-03:00

São simplesmente, doces sonhos a cada imagem...

Essa é a frase mais completa para descrever a obra da artista plástica-ilustradora Irene Singer (Argentina - Buenos Aires, 1960).

Sua formação é em gravura, talvez daí tanta delicadeza. No entanto a criatividade de realçar no aguado da aquerela, mancha sobre mancha e seus personagens feitos entre pedaços de tecidos, lápis e retalhos de papel; lhe são notáveis.

Son simplemente, dulces sueños a cada imagen...

Esa es la frase más completa para describir a la obra de la artista plástica-ilustradora Irene Singer (Argentina - Buenos Aires, 1960).

Es recibida de arte en grabado, quizá de ahí viene tanta suavidad. Sin embargo la creatividad de lucir en el aguado de la acuarela, mancha sobre mancha y sus personajes hechos entre pedazos de tela, lápiz y retazos de papel; le son notables.

+ sobre a artista:

http://www.irenesinger.com.ar/

Juan Lecuona: novos olhares ao desconhecido!

2010-07-14T00:36:00.000-03:00

Juan Lecuona, "Ana O". Técnica Mixta s.Tela. 200 x 180cm. 2006.

Recentemente aconteceu a Feira de Arte – ARTE BA 2010 – em Buenos Aires, e entre tantos artistas, conheci com apenas duas obras a Juan Lecuona (1956), artista plástico argentino, de Buenos Aires e anotei seu nome em meu caderno. O que me fez gostar tanto da obra foram, mais precisamente, duas coisas: a textura e a forma. Me identifiquei rapidamente com um “algo” que acredito ter também em minha linguagem artística. Depois, procurando sobre ele na internet, descobri que é um artista plástico cujo desenvolvimento se deu nos anos 80 e que tem tantas outras obras em que se destaca a textura como um ponto relevante no tramatento que dá ao material que utiliza, seja a tinta ou demais materiais.

Recién ocurrió la Feria de Arte – ARTE BA 2010 – en Buenos Aires, y entre tantos artistas, conocí con tan solo dos obras a Juan Lecuona (Buenos Aires, 1956), lo apunté un mi cuaderno. Lo que me hizo fijar el ojo en su pintura fueran dos cosas: la textura y la forma. Me identifiqué prontamente con un “algo” que creo tener también en mi lenguaje artístico. Después, en la búsqueda por más trabajos en la web, me di cuenta de que es un artista que se desarrollo en el rumbo del Arte por los 80 y que tiene otras tantas obras en las cuales la textura es algo que apunta a su tratamiento con el material que utiliza, sea la pintura o demás materiales.

Juan Lecuona, "Próximo Prójimo". Técnica Mixta s.Tela. 200 x 140cm. 1994.

“Este artista, nacido en 1956 en Buenos Aires, cuenta con una destacada trayectoria: cofundador del Grupo Babel, intervino en numerosas exhibiciones en museos y galerías de Argentina, Brasil, Uruguay y Chile; recibió importantes distinciones, entre las que cabe mencionar, el Premio al Mejor Envío Extranjero en la IX Bienal Internacional de Arte, Valparaíso (1989), Primer Premio de Pintura de la Fundación Fortabat (1991), Premio al Artista del Año, otorgado por la Asociación Argentina de Críticos (1995), Segundo Premio de la Fundación Constantini (2000), Primer Premio Salón Nacional (2001) y Premio "Fundación Trabucco" de la Academia Nacional de Bellas Artes (2002).

Ha participado también en exhibiciones como "Recurrencias: arte argentino de la generación de los 80", en el Museo de Arte Contemporáneo "Sofía Imber" de Caracas (1997), "Imágenes de Argentina, Analogías", en la Fundación Santillana del Mar (España, 1998) y también en diversas ferias internacionales en realizadas en Buenos Aires, Miami, Madrid, Chicago, Caracas y Nueva York”.

Fonte:

http://www.guiacultural.com/guia_regional/regional/argentina/

cordoba/acercamiento_obra_juan_lecuona.htm

+ sobre o artista:

http://www.museocastagnino.org.ar/lecuona.html

Gonzalo Duport: Dinamismo y Seguridad.

2010-07-01T02:34:00.003-03:00

Gonzalo Duport (24), artista plástico argentino de la ciudad de Tres Arroyos, empezó a trabajar con las artes plásticas desde que se fue a vivir en Dinamarca en un intercambio estudiantil. Allá, la escuela daba clases de Arte de manera que les hacía a los alumnos conocer mejor el universo creativo que cada uno poseía. A lo largo de los talleres se dio cuenta de sus habilidades en estas clases y lo cuanto importante eran para su formación, además de haber encontrado en esa materia una manera muy particular de expresarse.

Gonzalo Duport (24), artista plástico argentino da cidade de Tres Arroyos, começou a trabalhar com as artes desde que foi morar na Dinamarca em um intercâmbio estudantil. Lá, a escola ensinava a arte de maneira que mostrava aos alunos outra forma de compreender o universo criativo que cada um possui. Ao longo dos workshops realizados percebeu o quão importante a disciplina Arte é para a formação, e, assim, encontrou neste espaço uma forma muito especial de se expressar.

Serie “Aquellos besos: beso n. 13”. Acrilico s. Madera, 90 x 100cm. 2010.

A lo transcurrir de 9 años, ha producido de manera continua, lo que le permitió, generar su portfolio donde se fijan las marcas de su originalidad. Las pinturas de Gonzalo Duport más actuales se pueden categorizar por temáticas, que siguen el transcurso natural que todo artista construye: combinar fases de producción con los asuntos que se vuelven recurrentes en la rutina. En estos momentos, el artista se ve metido en una situación confrontadora con la cual se permite ir más allá de lo que cree que sea posible.

Un buen ejemplo de esta dinámica de trabajo es la “serie” de pinturas de “besos”, que se inicio tras la pregunta de una amiga interesada por sus trabajos: ¿por qué no pintas besos?

Ao longo de nove anos, tem produzido continuamente, o que lhe permitiu construir o seu portfólio, que define as marcas de sua originalidade. As pinturas mais recentes de Gonzalo Duport podem ser categorizadas por assunto, seguindo o curso natural, que, de modo geral, todo artista constrói: as fases de produção combinadas com as questões que se tornam recorrentes na rotina. Atualmente, o artista está engajado em uma situação de confronto com a qual ele acredita que pode ir mais longe do que imagina.

Um bom exemplo de suas descobertas é a "série" de pinturas de "beijos", que foi iniciado após a pergunta de uma amiga interessada em seu trabalho: por que não pintar os beijos?

Serie “Mis ciudades”: situación n.6”. Acrilico y Marcador s. Madera, 37 x 34cm. 2010.

El asunto de pintar los besos le dio a Gonzalo la posibilidad de mezclar los rasgos de lo abstracto con lo figurativo. Su obra, en este sentido, es osada, al mismo tiempo que trabaja con simbologías del “mundo real”, es decir, de formas ya reconocidas por ya haber sido legitimadas; incorpora la abstracción en estas formas - aún que sea en la del cuerpo, o en la cara, destorciéndolas. En la serie “Mis Ciudades” trata de representar las sensaciones del desconocimiento causadas en sus viajes, o mismo en su ciudad cuando pasa por una nueva experiencia, en un lugar nuevo.

A questão da pintura de beijos deu Gonzalo à habilidade de misturar as características do abstrato com o figurativo. Seu trabalho, nesse sentido, é ousado, trabalha com símbolos do mundo "real", isto é, formas reconhecidas e legitimadas, porém, agrega a elas, traços do abstrato, no corpo, ou rosto; completamente distorcidos. Na série "Minhas Cidades" pretende representar os sentimentos que lhe causam a sensação de desconhecimento em suas viagens, ou mesmo na cidade que mora.

“Body Paiting” realizado a lo 16 de mayo de 2010.

Sin embargo, no solamente de “devaneos” sobre la madera o el lienzo se hace el histórico de experimentaciones del artista. El body paiting, se le hiso transportar lo de la tela hacía el cuerpo, confrontando, de esta manera, los soportes utilizados hasta entonces con lo manejo del pincel sobre la piel, en un trabajo en tiempo real y frente al público. Esta vivencia la tuvo actualmente y desde entonces paso a explorar más de esta manera de trabajar la pintura.

No entanto, não só de "divagações" sobre a madeira ou a tela vive o artista. A pintura corporal (body painting) lhe permitiu conhecer o suporte “pele”, e, confrontar-se, desta forma, com os meios comunicativos usados até então. A pintura no corpo aconteceu em tempo real e em frente ao público, tendo esses requisitos como determinantes no fator “performance” e arte-registro.

+ sobre o artista:

www.gonzaloduport.blogspot.com

Brasília Cultural: Galeria Espaço Piloto e o encontro de Luiz(s)as!

2010-06-21T18:02:00.012-03:00

Está acontecendo em Brasília, DF (Brasil) a exposição de 3 jovens artistas na galeria da universidade, Espaço Piloto. Dentre as artistas, está Luiza Mader, a qual já foi mencionada no Arte Paralela com as obras Extensões e Terrenos. Dada a continuidade de sua pesquisa, Luiza expõe o site specific Terrenos, equilibrando as tensões que surgiram do cruzamento entre os diferentes suportes experimentados.

A convite da artista, escrevi o texto de apresentação de sua obra, acontecimento este que me gerou imensa felicidade por viabilizar essa comunicação virtual entre Brasília e Buenos Aires(cidade onde moro) e, de certo modo, legitimar minha profissão de crítica de Arte.

Está ocurriendo en Brasília, DF (Brasil) la exposición de 3 jóvenes artistas en la galería de la universidad, Espaço Piloto (Espacio Piloto). Entre las artistas, está Luiza Mader, la cual ha sido mencionada en el Arte Paralela con las obras Extensões (Extensiones) y Terrenos. Dada la continuidad de su investigación, Luiza expone el site especific Terrenos, buscando el equilibrio de las tensiones que se generan desde el cruce de los distintos soportes utilizados.

Invitada por la artista, redacté el texto de presentación de su obra,
acontecimiento este que me resultó mucha alegría por poder viabilizar la comunicación virtual entre Brasília y Buenos Aires (ciudad donde vivo) y, de cierta manera, legitimar mi profesión de crítica de Arte.

DO PROFUNDO DA TERRA, O CERNE PARA A COMPOSIÇÃO.

Por Luisa Brandt.

Desde a terra – e seu submundo entremeado, suas tantas texturas, sua organicidade leve, por ora densa – a artista plástica Luiza Mader retira o material ideal e que corresponde às suas expectativas para a produção da obra Terrenos.

A série surgiu em 2009 em dimensões menores, porém já trabalhada a partir do conceito de transladação: desvincula-se a terra do seu lugar de ocupação natural, altera-se a função dessa matéria, que passa a ocupar um lugar pictórico. Seguindo essa dinâmica, em sua versão site specific, as pinturas sobre madeira geram a visualidade plástica desejada para a série de trabalhos da artista. A mistura cautelosa de materiais como a linha de costura, a encáustica, a resina laca, as folhas de ouro e os fios de cobre, se combina sinuosamente com as tramas da tela tule e com os diversos matizes do composto usado.

A terra, tanto como matéria de composição plástica como suporte, caracteriza a obra de Luiza Mader. Nela, a artista expande tal significação por meio de sua visível poética: um verdadeiro complexo de cores surge desde aglomerados pequenos e “grotescos”, que se organizam durante a pintura, até sutis linhas que suavizam a composição e sobrevoam por toda a imagem.

Terrenos são pinturas que conversam sobre íntimos segredos, e que, aos poucos, revelam – na condição de sua exposição no “terreno ar” – a simplicidade de um grão de terra e de uma gota de cera. Transportados a uma dimensão que os olhos podem ver, esses materiais transmitem a poesia que se esconde sob duras caminhadas, no profundo das gerações, na durabilidade do tempo.

DE LA PROFUNDIDAD DE LA TIERRA, EL CORAZÓN DE LA COMPOSICIÓN.

Por Luisa Brandt.

Desde la tierra - y su mundo subterráneo entrelazado, sus muchas texturas, su liviana organicidad, por ora densa - la artista plástica Luiza Mader hace de este material lo ideal y que corresponde a sus expectativas para la producción de la obra Terrenos.

La serie se inició en 2009 en dimensiones más pequeñas, pero siguió trabanjado a partir de la noción de transposición: retira la tierra de su lugar natural de ocupación, altera su función y la hace ocupar un lugar pictórico. La raíz de esta versión se exhibe en site specific, las pinturas sobre madera generan el aspecto visual deseado para la serie de obras de la artista. Una cuidadosa mezcla de materiales como el hilo de coser, la encáustica, la resina laca, las hojas de oro y cobre, se combinan sinuosamente con los hilos de la tela de tul y con los diversos matices de la mezcla utilizada.

La tierra, tanto en lo que respecta a la composición plástica como al soporte, caracteriza la obra de Luiza Mader. En ella, la artista amplía este significado a través de su visible poética: un complejo de colores se crean y van desde de pequeños granos "grotescos", que se organizan durante la pintura, hasta líneas sutiles que suavizan la composición y “vuelan” sobre toda la imagen.

Terrenos son pinturas que hablan sobre los secretos íntimos, y que revelan poco a poco - con la condición de que su exposición - en el espacio "aire-tierra" - la simplicidad de un grano de tierra y una gota de cera. Transportados a una dimensión que los ojos pueden ver, estos materiales transmiten la poesía que se esconde bajo caminatas vigorosas, en lo profundo de las generaciones, en la durabilidad de tiempo.

Obrigada a todas e todos que contribuiram para esse evento acontecer (Denise Brandt e Fábio Baroli pelas fotos e Helena Mader pela correção do texto).
Quem ainda não passou pela exposição, não deixe de conferir!

Gracias a todas y todos que contribuyeron para que ocuriera el evento (Denise Brandt y Fábio Baroli por las fotos y Helena Mader por la corrección del texto).

+ sobre a artista:

http://arteparalela.blogspot.com/2010/02/luiza-mader-dialogos-profundos.html

Güear: Arte, Música, Literatura, um bom café e o Rio da Prata!

2010-06-10T16:21:00.004-03:00

Cruzando a fronteira Argentina/Uruguay, após simples 3 horas de navegação, desembarca-se em Colonia del Sacramento, uma linda cidade do século XVII cuja beleza das ruas inspiram a qualquer transeunte em momento de "poetizar".

Ali, entre passeios ao farol e a "rua dos suspiros", incrustada por paralelepípedos, encontram-se as marcas de uma antiga colonização (que por hora foi portuguesa, ora espanhola) misturadas ao mundo contemporâneo do turismo, dos pubs e dos centros culturais. Exatamente nesse momento encontra-se o Güear, que surgiu do encontro entre amigos publicitários que decidiram criar uma revista "guia" para aqueles que gostam de conhecer a Colonia a partir de um olhar artístico.

Com o sucesso da tentativa, abriram também o espaço Güear, um lugar para entrar e estar, onde acontecem eventos de música e exposições de artes plásticas, além de possuírem livros a venda de autores locais e não locais e brindarem o aconchego do lar com uma maravilhosa vista pro Rio da Prata e um delicioso café!

Al cruzar la frontera Argentina/Uruguay, en nada más que 3 horas de viaje a barco, se arriba en Colonia del Sacramento, una hermosa ciudad del siglo XVII cuya belleza de las calles inspiran a cualquier “deambulante” en momento de “poetizarse”.

Allí, entre paseos al farol y a la “calle de los suspiros”, incrustada de piedritas, se encuentra las marcas de una antigua colonización (entre momentos fuera portuguesa, entre otros española), mezcladas al mundo contemporáneo del turismo, de los pubs y los centros culturales. Justo en este momento es que se encuentra el Güear, que surgió desde el encuentro de amigos publicitarios que decidieron crear una revista “guía” para aquellos que les gusta conocer a la Colonia desde una mirada artística.

Con el éxito del intento, abrieron también el espacio Güear, un lugar para entrar y estar, donde ocurren eventos de música y exposiciones de artes plásticas, además de tener habilitada la venta de libros de autores locales o no, y brindaren el confortable hogar con una ¡encantadora vista hacía el Río de la Plata y un exquisito café!

+ sobre o Güear:
http://www.guear.com

Josefina Ocampo: Das mãos se lavam a Alma!

2010-06-03T17:21:00.001-03:00

Josefina Ocampo, "La lavandería", instalação de projeto itinerante.

Palácio das Águas. Exposição "El água en sus diferentes manifestaciones artísticas", 2010.

Algumas obras de arte instigam o olhar do espectador por sua objetividade, outras por sua sutileza, e é claro que as duas características e outras mais, podem estar presentes simultaneamente. A obra "A Lavanderia" (La Lavandería) - da artista plástica portenha de Buenos Aires, Josefina Ocampo, integrante do ateliê da artista plástica Estela Pereda - instiga o olhar ao que não está presente, transmite poesía em pedaços de madeira, tábuas de lavar roupa, transmite o mais íntimo sentimento do trabalho doméstico das lavadeiras.

A pesquisa da artista se aprofunda na relação do objeto com sua dona, e o que esse objeto - na ausência da lavadeira e da água - é capaz de gerar.

São tábuas de lavar roupa recolhidas ao longo de anos como uma éspecie de arquivamento, de lavadeiras de regiões ribeirinhas da costa argentina. Segundo a artista, as placas de metal têm os nomes de suas donas conforme foram possíveis de ser identificadas.

Algunas obras de arte instigan la mirada del espectador por su objetividad, otras por su sutileza, y es cierto que las dos características y otras más, pueden estar presentes simultáneamente. La obra "La Lavandería" - de la artista plástica porteña de Buenos Aires, Josefina Ocampo, integrante del taller de la artista plástica Estela Pereda - instiga la mirada a lo que no está presente, transmite poesía en trozos de madera, tablas de lavar la ropa, transmite el sentimiento más íntimo y profundo del laburo doméstico de las lavadoras.

La investigación de la artista plantea la relación del objeto y su dueña, y lo que este objeto - en la ausencia de la dueña y del agua - es capaz de generar.

Son tablas de lavar la ropa recogidas a lo largo de años, como se fueran una especie de archivamiento, de lavadoras de la región ribereña de la costa argentina. Según la artista las chapitas de metal poseen los nombres de sus dueñas conforme se las fue posible identificar.

"Alma e Esperanza", alguns detalhes pequenos da obra que transmitem uma mensagem tão doce capaz de resignificar um dia mal resolvido! O que será que faziam estas duas senhoras enquanto lavavam tantas roupas? Do que será que falavam?

As tábuas têm registros em seus traços, amassados, raspados... cada uma tinha sua maneira de lavar, sua maneira de interpretar aquele momento...

Um trabalho tão antigo porém ainda utilizado, as famosas lavadeiras da beira do rio... A artista deixou estampada a frase em uma das tábuas de sua instalação: "Lavavam paixões próprias e enxaguavam paixões alheias". Quanta água deve ter lavado tantos sentimentos? Desses que impregnam as roupas, que se grudam pelas entranhas, que se vão com a correnteza...!

"Alma y Esperanza", algunos detalles pequeños de la obra que transmiten un mensaje tan dulce que son capazes de re significar ¡un día mal resuelto! ¿Qué será que harían estas dos señoras mientras que lavaban tantas prendas? ¿De qué hablaban?

Las tablas tienen registros en sus trazados, arrugados, rascados... cada una tenía su manera de lavar, su manera de interpretar aquél momento...

Un laburo tan antiguo pero que aún se lo utilizan, las famosas lavadoras de la orilla del río... La artista puso estampada la frase en uno de las tablas de su instalación: "Lavaban pasiones propias, enjuagaban pasiones ajenas". ¿Cuánta agua debe haber lavado tanto sentimiento? ¡De estos que impregnan la ropa, que se pegan en las entrañas, que se van en el agua...!

+ sobre a artista:

http://arteenlared.com/latinoamerica/argentina/agua-vida.-pasado,-presente-y-futuro.-espacio-arte-en-los-festejos-de-aysa-del-bicente-2.html

Na solidão de las soledades...

2010-05-27T23:29:00.004-03:00

Carlos Gallardo. (Destiempos) VIII. Fotografía, 2008.

Está muito linda a exposição do Artista Plástico Carlos Gallardo, no MALBA (Museu de Arte Latino Americado, Buenos Aires - Argentina), que fica até o dia 5 de julho e homenageia este artista de grande nome na Argentina, por ter atuado em diversas áreas das Artes.
A exposição o homenageia após sua morte no ano 2008. Mas, com tanta poesia, é bom ressaltar que, por mais nostálgica que seja, a mostra permite a reflexão sobre o tempo e sua durabilidade.
Estão expostas, essencialmente, fotografias manipuladas ou fotografias intervenidas. Pequenos bonecos sobre as engrenagens dos relogios demonstram suas esperas, (in)significantes esperas pelo tempo que se vai, que virá, que já foi...
As fotos trabalhadas com as poesias de Hugo Mujica resignificam a perspectiva do espaço pictórico com as estrofes das poesias coladas sobre o vidro e também impressas no papel, o que gera uma sombra imaginária que favorece a leitura mais pausada do texto (que segue abaixo).

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Muy linda la exposición del Artista Plástico Carlos Gallardo, el en MALBA (Museo de Arte Latino Americano, Buenos Aires), dura hasta el 5 de julio y homenajea este artista de gran nombre en la Argentina, por haber actuado en diversos sectores del Arte.

La exposición trata de homenajearlo trás su muerte en el 2008. Pero, con tanta poesia, hay que resaltar que, por lo más nostalgica que sea, la muestra permite reflejarse sobre el tiempo y su durabilidad.

Están expuestas, sobretodo, fotografías manipuladas o fotografías intervenidas. Pequeños muñecos sobre las engranajes de los relojes demuenstran sus esperas, (in)significantes esperas por el tiempo que se va, que va a venir, que se fue...

Las fotos trabajadas con las poesias de Hugo Mujica resignifican la perspectiva del espacio pictórico con las estrofas de las poesias pegadas sobre el vidrio y también impresas en el papel, lo que genera una sombra imaginária que favorece la lectura más pausada del texto:

"Hay vidas que se consumen

através de una ventana,

un camino,

mueren sin encontrar

mueren sin haber partido

Y hay vidas que ni gritan

ni golpean

que no tienen ni siquiera

una tapia

donde

tatuar un nombre,

donde inscribir su paso".

+ sobre el artista y la obra:

http://www.malba.org.ar/

Olhares e Não - Olhares de Duas Mulheres.

2010-05-11T18:54:00.029-03:00

Víctor Manuel - "Dos Mujeres y Paisaje" - Óleo sobre Tela, aproximadamente anos 30.

Há pouco tempo, aconteceu no MALBA uma exposição de artistas plásticos cubanos. Um dos artistas em exposição foi Víctor Manuel (La Habana, 1897 - 1969). Dentre as obras, a que mais me chamou a atenção foi "Dos Mujeres y Paisaje" (Duas Mulheres e Paisagem). O motivo do encantamento são suas cores e formas dadas às mulheres, a paisagem ao fundo de um verde-marrom que sugere uma casa de campo, um lugar reflexivo... e, claro, a expressão dessas mulheres, que, mesmo em suas individualidades, conseguem, as duas, serem complementares; complementares em suas belezas e no que diz respeito ao feminino, a sensualidade e a sobriedade da mulher.

Víctor Manuel fez parte do modernismo cubano, e incluiu em sua estética muito do modernismo visto na Europa desde sua primeira viagem a Paris no ano de 1929. Têm uma certa aproximação a poética figurativa de artistas como o francês Gauguin e o italiano Modigliani, porém, é bastante tropical em sua essência.

Hace poco, ocurrió en el MALBA una exposición de artistas plásticos cubanos. Uno de los artistas en exhibición fue Víctor Manuel (La Habana, 1897 - 1969). Dentre las obras, la que más me detuvo la atención fue " Dos Mujeres y Paisaje". El motivo del encantamiento son sus colores y las formas dadas a las mujeres, el paisaje de fondo de un verde-marron que sugiere una casa de campo, un lugar reflexivo... y, por supuesto, la expresión de estas mujeres que, mismo en sus individualidades, consiguen, las dos, seren complementares; complementares en sus bellezas y en respeto a lo femenino, a la sensualidad y sobriedad de la mujer.

Víctor Manuel hizo parte del modernismo cubano, e incluyo en su estética mucho del modernismo visto en Europa desde su primer viaje a París en el año 1929. Posee alguna aproximación con la poética figurativa de artistas como el francés Gauguim y el italiano Modigliani, sin embargo, es demasiado tropical en su esencia.

+ sobre o artista:

http://www.vanguardiacubana.com/articulos/Victor-Manuel-homenaje-comunidad-hebrea.htm

Rosalía de Castro y Luz Darriba en: Follas Novas.

2010-05-02T22:43:00.074-03:00

Uma linda manhã de sol do dia 23 de abril de 2010, temperada pelo suave vento portenho, foi cenário do evento que inaugurou a intervenção urbana "Follas Novas". Quem assina a obra é Luz Darriba, artista plástica uruguaia que vive e trabalha na Espanha há alguns anos. Seu trabalho homenajeia a obra da poetiza gallega Rosalía de Castro, cujo nome "Follas Novas" (em gallego) e "Folhas Novas" (em português) intitula a proposta de agregar às árvores, folhas novas, folhas de leitura, folhas de poesias...

Una linda mañana de sol de la fecha 23 de abril del corriente, "sazonada" por el suave viento porteño, fue el escenario del evento lo cual inauguro la intervención urbana "Follas Novas". Quien firma a la obra es Luz Darriba, artista plástica uruguaya que vive y trabaja en España desde hace algunos años. Su trabajo hace homenaje a la obra de la poeta gallega Rosalía de Castro, cuyo nombre "Follas Novas" (en gallego) y "Hojas Nuevas" (en español) intitula la propuesta de añadir a los arboles, nuevas hojas, hojas de lectura, hojas de poesias...

Nesse dia se comemora o 125 aniversário desde a morte da poetiza, e por coincidência do mesmo dia ser o "Dia Internacional do Livro" tudo se conectou de modo a concretizar o acontecimento desse evento artístico/literário.

En este día se conmemora el 125 aniversario desde la muerte de la poeta, y por el motivo de justo el mismo día ser el "Día Internacional del Libro" todo se puso muy conectado para que ocurriera este evento artístico/literário.

A Praça do Leitor ficou coberta de letras! Muitas das poesias de Rosalía puderam ser lidas nas árvores que rodeavam a praça, elas estavam ali, movimentadas pelo vento, no impulso da vibração natural, tão naturais como se, de fato, nascessem da natureza.

Também, de alguma forma a artista plástica Luz Darriba, revive a arte da poetiza com essa instalação, é uma maneira de apresentar aos que não conhecem sua escrita e também reflorescer sua arte aos que já a conheciam.

La Plaza del Lector se quedo encubierta de letras! Muchas de las poesias de Rosalía pudieron ser lidas en los arboles que circulaban la plaza, ellas estaban alli, movidas por el viento, en el impulso de la vibra natural, tan naturales como si, de hecho, hubieran nacido de la naturaleza.

Además, de alguna forma la artista plástica Luz Darriba, revive el arte de la poeta con esa instalación, es una manera de presentar a los que no conocen a su escritura y también renacer su arte a los que ya la conocian.

+ sobre Rosalía: http://www.rosaliadecastro.com

+ sobre Luz Darriba: procurar no buscador do Blog outros posts da artista!

Liliana Porter: poetizando grandes conflitos.

2010-04-22T03:34:00.158-03:00

Liliana Porter. " Trabajo Forzado". Instalación, 2005

Pode um trabalho plástico produzir "sons internos" de bem-estar (ou de repugnação)? Talvez para alguns sim, outros não, mas a verdade é que a obra de Liliana Porter se compromete a provocar, por mais pequeno que seja, um momento de silêncio, seguido do suposto "som interno". Um silêncio que resulta da compreensão de sua mensagem - como se nada mais fosse necessário além daquela representação artística.

Sua obra é lúdica e poética, é leve em sua plasticidade, porém forte en seus significados. Utiliza brinquedos, pigmentos naturais em pó, papéis de distintas espessuras e cores. Suas obras vão desde desenhos a instalações, mas se centralizam no debate crítico de situações sociais.

Nas obras seguintes, intituladas "Trabajo Forzado" (Trabalho Forçado) retratam o que de fato se pode compreender com um simples olhar. A artista dialoga sobre o habitual trabalho doméstico (da dona de casa ou empregada doméstica), como um trabalho forçado, já que, socialmente, não é reconhecido como tal. De qualquer forma, essa obra têm como referência a discussão do feminismo pelo feminino, em outras palavras, a artista de uma maneira muito sensível (feminina) organiza estes objetos, que juntos, potencializam sua informação que no próprio título está traduzida sua imposição...

¿Puede un trabajo plástico producir pequeños "estallidos" de bien estar (o de repugnación)? Quizás para unos si, otros no, pero la verdad es que la obra de Liliana Porter trata de provocar, por más pequeño que sea, un momento de siléncio, seguido de este supuesto "estallido". Un siléncio que resulta de la comprensión de su mensaje - como se nada más fuera necesário además de aquella representación artística.

Su obra es lúdica y poética, es liviana en la plasticidad, pero fuerte en sus significados. Utiliza juguetes, pigmentos naturales en polvo, papeles de distintas espesuras y colores. Sus obras van desde dibujos a instalaciones, pero se centran en un dibate crítico de situaciones sociales.

En las obras siguientes, intituladas " Trabajo Forzado" , retratan lo que de hecho se puede comprender con una sola mirada. La artista dialoga acerca de lo habitual trabajo de la mucama (de la mujer que hace los servicios domésticos), como un trabajo forzado , ya que, socialmente, no es reconocido como tal. De cualquier manera, esta obra tiene como referente la discusión del feminismo por el femenino, es decir, de manera muy sensible (femenina) la artista organiza estos objetos, que juntos, potencializan la información de la obra, que en su propio título, se traduce tal imposición.

Liliana Porter. " Trabajo Forzado". Instalación, 2005.

Liliana Porter es artista plástica argentina (1941) pero desde el 1964 vive en Nueva York. Estudio en Buenos Aires en la Escuela de Bellas Artes de Belgrano y en la Prilidiano Pueyrredón, pero sus búsquedas e investigaciones seguieron por el México y por inúmeros cursor en NY.

+ sobre la artista:

http://lilianaporter.com/

Citando Blogs!

2010-04-12T12:54:00.003-03:00

O universo paralelo dos Blogs constrói uma rede de informações firme e que se sustenta por si própria. Acredito fielmente nessa forma de comunicação e que as pessoas que se dedicam a escrever, respiram e vivem aquele cantinho virtual 24h.

Hoje, o Blog Arte Paralela se dedica a citar uma dessas tantas páginas que circulam, mas que necessitam obviamente, de sua divulgação.

O Blog Etiqueta (In)visivel é assinado por Tati Bo (brasileira), arte-educadora, designer de acessórios e produtora cultural e se dedica a debater a Moda e seus estatutos, suas visões e leituras sociais. Expõe aos seus leitores dicas super atualizadas sobre eventos culturais que acontecem na cidade de São Paulo (Brasil), onde mora. Também cita e comenta livros os quais trazem como assunto principal o seu tema de estudos além de apresentar entrevistas realizadas com artistas plásticos, escritores e pesquisadores de arte.

Sem dúvida vale a pena visitar, ler e "bisbilhotar" o Etiqueta!

http://etiquetainvisivel.blogspot.com/

El universo paralelo de los blogs construye una red de informaciones fuerte y que se sostiene por si propia. Creo fielmente en esta manera de comunicación y que las personas que se dedican a escribir, respiran y viven su rincón virtual las 24h del día.

En el post de hoy, el Blog Arte Paralela se dedica a hacer una cita a uno de estos tantos sítios que circulan, y que sin dudar, necesitan de su difusión.

El Blog Etiqueta (In)visivel esta firmado por Tati Bo (brasilera), educadora de arte, diseñadora de accesórios y productora cultural y se dedica a debatir la Moda y sus estatutos, sus visiones y lecturas sociales. Expone a sus lectores sugerencias super actuales sobre eventos que ocurren en la ciudad de São Paulo (Brasil), donde vive. También cita y comenta libros los cuales traen como asunto princial su temática de estudios, además de presentar entrevistas con artistas plásticos, escritores e investigadores del arte.

Seguro que vale a la pena visitar, leer y "chusmear" el Etiqueta!

http://etiquetainvisivel.blogspot.com/

Katarzyna Kozyra: transferindo referências...

2010-04-02T02:52:00.002-03:00

Katarzyna Kozyra. "Boys". Vídeo e Fotografias. 2001-2002.

Para dar continuidade à série de apresentações da obra da artista plástica Katarzyna Kozyra, o Blog Arte Paralela traz a obra intitulada "Boys" que são pequenos vídeos de 3 a 4 minutos de duração, também acompanhados por fotografias quando expostos.

Antes de qualquer citação ou questionamento à obra, é importante sua apreciação já que a imagem diz tanto e mesmo que exista um texto que a acompanhe, sua impactante presença já é o suficiente para que o debate ao qual a obra suscita, seja iniciado.

Como foi visto anteriormente na obra "Womens at bathhouse" o diálogo que a artista procura estabelecer entre sua obra e seus possíveis observadores, diz reipeito ao gênero feminino e as questões que podem vir a aparecer desde seu embate. Ao "vestir" os "boys" com o órgão sexual feminino a artista revela, "literalmente", como seriam os homens, por um dado momento. A sensação de vestir-se - não no sentido da fantasia, e sim no sentido da sensação de transformação - é o que instiga a artista nessa obra, visto que não é um "simples brincar de ser mulher" que mostram os garotos da foto; a discussão vai além do simples julgamento sobre a questão de gênero, tanto masculino, quanto feminino. Inúmeras leituras podem ser feitas... uma delas é a da possibilidade que sugere a artista, com a obra, de se propor o entendimento de um sexo pelo seu oposto, a partir da "encarnação" do mesmo...

Siguiendo con la exposición de trabajos de la artista plástica Katarzyna Kozyra, el Blog Arte Paralela trae la obra intitulada "Boys" que son videos cortitos de 3 a 4 minutos de duración, que también se acompañan de fotos cuando son expuestos. Mas que nada, es importante que se haga una breve apreciación de la obra, ya que su imagen puede hablar tanto sobre su temática que un texto quizás no la abordaría con tamaña importáncia.

Como se ha visto ulteriormente en el texto que hablara de la obra "womens at bathhouse", el diálogo que la artista trata de establecer entre la obra y sus posibles observadores, dice respecto a cuestión de género y a los temas que desde ello pueden aparecer. Al "vestirse" a los "boys" con el organo sexual femenino, la artista revela, "literalmente", como serían los hombres en un momento "x". La sensación de vestirse - no en el sentido del disfraz, sino que en el sentido de la transformación - es lo que instiga la artista en esa obra, ya que no es un simple "jugar de ser mujer" que muestran los chicos de la foto; la discusión va mas allá de un simple juzgamiento sobre la cuestión de género, tanto del masculino, como del femenino. Muchas lecturas pueden ser hechas... una de ellas es la posibilidad, que sugiere la artista, con la obra, de proponerse el entendimiento de un sexo por el opuesto, desde la "encarnación" de lo mismo...

+ sobre la artista:

http://katarzynakozyra.pl

Katarzyna Kozyra: do olhar secreto a realidade carnal.

2010-03-19T13:34:00.001-03:00

Katarzyna Kozyra - "Women's at bathhouse" - Video, 1997.

A artista plástica polonesa, Katarzyna Kozyra, nasceu em 1963, se graduou em Belas Artes e Filosofia na Polônia e Alemanha e trabalha a temática do gênero feminino de maneira a revelar seu olhar observador no vouyerismo das câmeras secretas. Nesse vídeo, realizado em Budapest, particulamente se posiciona de tal maneira que capta o momento do cotidiano dessas senhoras, mesmo que seja um momento tão corriqueiro, é um momento de intimidade, a qual explora a artista para que seu discurso ultrapasse o simples registro do óbvio.

A discussão do "belo" nessas imagens é inevitável à crítica que faz Katarzyna às formas dos corpos, que, nada mais, reagem ao tempo e descansam. As senhoras, tranquilamente tomam seus banhos e cultivam a leveza de estarem completamente envolvidas com suas liberdades. Nada diferente, porém, "estranho" ao olhar previamente regido pela beleza da estética platônica.

A pele envelhece, é um fato.

La artista plástica polonesa, Katarzyna Kozyra, nació en el 1963, se graduó en Bellas Artes y Filosofía en la Polónia y Alemaña y trabaja la temática del género feminino de manera que revela en su mirada observadora el vouyerismo de la cámara secreta. En este video hecho en Budapest, se posiciona de forma tan particular que capta los momentos de las señoras grandes en el baño, y, aún que sean momentos tan rutineros, son momentos de intimidad los cuales explora la artista para que su discurso ultrapase el simple registro de lo óbvio.

La discusión del "bello" en estas imagenes es inevitable a la crítica que hace Katarzyna a las formas de los cuerpos, que, simplemente, reaccionan al tiempo y descansan. Las señoras se duchan tranquilamente cultivando la liviandad de estaren completamente envueltas en sus liberdades. Nada distinto, sin embargo, "raro" desde las miradas tan involucradas con la belleza proveniente del esteticismo platónico.

La piel se pone vieja, es un hecho.

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+ sobre a artista:
http://katarzynakozyra.pl

Exposição Genéricas: Luisa Brandt e a Santa Paciência!

2010-03-10T19:44:00.001-03:00

Convidada por minha companheira de estudos, Micaela Fernandez, participo da exposição intitulada Genéricas, a qual foi inaugurada dia 8 de março - Dia Internacional da Mulher. A exposição acontece em Buenos Aires, no edifício da Legislatura do Estado, rua Perú 160. São 10 artistas de diferentes países expondo suas questões plásticas, concentuais, literárias... a respeito da violência de gênero. A visitação está aberta até o dia 19 de março.

Invitada por mi compañera de estudios, Micaela Fernandez, estoy en la exposición Genéricas, la cual fue inaugurada el 8 de marzo - Día Internacional de la Mujer. La exposición ocurre en Buenos Aires, en el edificio de la Legislatura del Estado, calle Perú al 160. Son 10 artistas de distintos países exponiendo sus temáticas plásticas, conceptuales, literárias... respeto a la violencia de género. La visitación esta abierta hasta el 19 de marzo.

Minha obra se chama Santa Paciência que consiste em um auto-retrato trabalhado na versão "santinhos" de igreja. A Santa Paciência é um manifesto Feminista que explica o motivo da existência do dia 8 de março. Aliás, você sabe esse motivo?

(...)

No lugar da oração está o texto que tem por objetivo ser uma corrente informativa. Os "santinhos" geralmente transitam de mão em mão e permanecem guardados nas carteiras, e por esse motivo, a Santa Paciência possui esse formato a fim de perdurar sua mensagem de maneira popular e massiva.

Como o trabalho consiste no pequeno formato, na exposição a montagem é específica. A Santa Paciência já foi exposta em Brasília, Brasil em 2005 na galeria da UnB, em uma apresentação mais "limpa". Agora na versão 2010 sua montagem levou um acento "clássico".

Mi obra se llama Santa Paciencia y consiste en un autoretrato en la versión de estampita de iglesia. En esta situación, la Santa Paciencia es un manifiesto Feminista que explica la creación de la fecha conmemorativa del 8 de marzo. Y por las dudas, vos sabes el porqué de esta fecha?
(...)
En el lugar de la oración esta el texto que tiene el objetivo de ser una corriente de información. Las estampitas, por lo general, transcurren mano a mano y permanecen guardadas en las billeteras. Por este motivo la Santa Paciencia posee este formato con la intención de que se perdure su mensaje de manera popular y masiva.
Como el trabajo consiste en un pequeño formato, en la exposición el montaje es específico. La Santa Paciencia ha sido expuesta en Brasília, Brasil en 2005 en la Galería de la UnB, en su versión "clean". Pero, ahora en el 2010 se presenta en su versión "clásica".

Exposição Santa Paciência - Galería da UnB, Brasília/Brasil, 2005.

Exposição Genéricas - Montagem - Salão de Exposições Legislatura, Buenos Aires/Argentina, 2010.

É comemorado o Dia Internacional das Mulheres todo dia 8 de março, todos os anos a mesma rotina: motivo de festas, matérias de jornal, liqüidações nas lojas. Mas alguém sabe por que essa data antes de ficar comemorando por aí? Esse dia surgiu por um motivo de homenagem a 100 mulheres norte-americanas que trabalhavam em uma fábrica em Nova Yorque, no ano de 1957. As 100 mulheres protestaram sob a carga horário de 16h de trabalho diário, reivindicando que esse período diminuisse para 10h diárias tendo em vista que seus salários eram cerca de 1/3 do salário dos homens. Pensem: Que os bonitões da chefia prefeririam fazer? Encararem as 100 mulheres ou acovardarem-se perante elas? Acovardarem-se, é claro. Os dirigentes dessa fábrica mandaram prender as 100 mulheres dentro de um galpão onde foi provocado um incêncio que matou essas 100 vidas.
Chegamos ao novo milênio e as pessoas continuam acreditando dessa dita "evolução" social que além de tanta hipocrisia, transformam esse dia em um dia maravilhoso para comemorações! Ninguém parou pra pensar que um dia 100 mulheres foram mortas por exigirem um direito delas! Será que o tempo passou de verdade? Será que ainda não vivemos com resquícios desse passado? Ou será que hoje é um dia motivador para tantas mulheres?
A luta continua, pois, diariamente podemos perceber tamanha covardia "enlatada" por aí... Tenha Santa Paciência! É claro que devemos continuar a luta para não ter de suportar qualquer desrespeito à nossa imagem. Abram os olhos, pemsem, se defendam, "de boas intenções" o mundo está cheio... Mas ao fecharem os olhos lembrem-se que nesse momento uma mulher pode estar sendo resrespeitada... E essas são as mesmas mulheres que cuidam e se preocupam com a vida de tantas pessoas e que ainda têm tempo para se arrumarem, trabalharem, criarem, correrem, cantarem, amarem e se defenderem! O dia internacional das mulheres é apenas uma recordação de um dia de luta... Por que o dia dedicado às mulheres, sempre foi todo dia.

Exposição Genéricas - Salão de Exposições Legislatura, Buenos Aires/Argentina, 2010.

Todos los 8 de marzo se conmemora el día Internacional de las Mujeres. Todos los años la misma rutina: fiestas, noticias en el periódico, rebajas en los locales. Pero alguien sabe ¿por qué surgió la fecha antes de conmemorarla? Este día surgió para homenajear a 100 mujeres de los EEUU que trabajaban en una fábrica, en Nueva York en el año 1857. Las 100 mujeres pedían cambiar la jornada de trabajo de 16hs. por 10hs., ya que trabajaban demasiado y aún de esta forma cobraban 1/3 del sueldo de los hombres. Pensemos esto: que prefirieron hacer los valientes jefes? Encarar a las 100 mujeres o acobardarse? Acobardarse, por supuesto. Los dueños de esta fábrica mandaron a encerrar las 100 mujeres dentro de un galpón, en donde fue provocado un incendio que asesinó a las 100 vidas.

Llegamos al nuevo milenio y la gente sigue creyendo en la dicha “evolución social”, que además de tanta hipocrecía, transforman este día en fecha conmemorativa! Nadie reparó en pensar que un día 100 mujeres murieron por exigir sus derechos! Será que aún no podemos dejar las malas costumbres y avanzar? O será que hoy es un día motivador para tantas mujeres?

La lucha sigue adelante, pues, diariamente podemos percibir tanta cobardía “enlatada” por ahí... Tenga la Santa Paciencia! Es cierto que debemos siguir con nuestra lucha para no tener que soportar cualquier falta de respeto a nuestra imagen. Abran los ojos, piensen, defiéndanse, pues “de buenas intenciones” se llenó el mundo. Pero, al cerrar los ojos acuérdense que justo ese momento una mujer puede estar siendo tratada sin respeto... Y estas son las mismas mujeres que cuidan y se preocupan por la vida de tantas otras personas y que además les queda tiempo para arreglarse, trabajar, crear, correr, cantar, amar y defenderse! El día Internacional de las Mujeres es, nada más, que un recuerdo de un día de lucha... Porque el día dedicado a las mujeres, siempre fueron todos.

Exposição Genéricas - Salão de Exposições Legislatura, Buenos Aires/Argentina, 2010.

Tenga la Santa Paciencia!

2010-03-07T15:53:00.000-03:00

Luisa Brandt. "Santa Paciência". 2004. Performance em 2010 - Buenos Aires.

Minha grande companheira já está preparada para a ação hoje em Buenos Aires, no Parque Centenário. Irei distribuir santinhos da Santa Paciência a mulheres e homens, com o intuito de ressaltar o conhecimento do motivo do dia Internacional da mulher que é amanhã dia 8! Além disso, no próprio dia 8 será inaugurada a exposição Genéricas, a qual estarei presente com a Santa Paciência e representando o Brasil nessa mostra de artistas mulheres. Tudo será postado aqui no Arte Paralela!

Abraços!!!

Mi gran compañera ya está preparada para la acción de hoy en Buenos Aires, en el Parque Centenário. Iré repartir estampitas de la Santa Paciencia a mujeres y hombres, con el intuito de enseñarles el motivo de la fecha del 8! Además, el en mismo 8 va a empezar la exhibición Genéricas en la cual voy a estar con la Santa representando el Brasil en esta muestra solo de mujeres. Todo va a ser puesto acá en el Arte Paralela!

Saludos!!!

Liana Keller: reutilize, recicle e crie!

2010-02-24T19:30:00.007-03:00

Liana Keller. "Quadretas". Pintura sobre Gaveta. 2006.

Ao ver gavetas abandonadas nos lixos ou mesmo na rua, Liana Keller, artista plástica, recolhe esse material com intuito de utilizá-lo em alguma de suas criações. Devido a forma e proporção do objeto, surgiram as “quadretas” que são quadros dentro de gavetas. Na cidade de São Paulo onde mora a artista é grande a quantidade de restos de móveis nos lixos, e, desse modo, ela percebeu que colecionar gavetas descartadas por alguém lhe geravam enorme interesse pela pesquisa por outros materiais abandonados por seus antigos donos.

Liana Keller. "Quadretas". Pintura sobre Gaveta. 2007.

Nas “quadretas” de Liana são pintados retratos, muitos dos quais, inspirados em amigos. Sua expressão lúdica carrega a identidade de sua linguagem. Também habita em seu desenho o surreal, no sentido da transgressão do real, devido às carinhas em verde, azul, rosa, e nas formas mutantes. Tudo é válido para a organização da plástica de Liana, inclusive sair à rua em busca do inesperado. Pode ser que lhe apareçam pedaços de madeira, papelão e outras “bugingangas” que a terra há de engolir!

A investigação da artista por materiais também faz parte de seu próprio vestuário. Desde o ano 2002 criou a marca Trapo e hoje em dia tem seus produtos a venda em cidades do Brasil e exterior. A marca lhe surgiu da vontade de recriar suas roupas, colocando nelas sua intenção mais forte, seus pensamentos, ideologias... Além de interagir com vestimentas dos anos mais diversos, inclusive, velharias de brechós ou dos guarda-roupas pessoais que escondem relíqueas.

Liana Keller."T-Shirt Femininas". Pintura e Bordado sobre Camiseta. 2009.

Tudo se transforma. A idéia é reaproveitar mesmo porque essa é a lógica da matéria. Brincar com sentimentos, expor as dores e instigar o olhar do próximo são algumas das características do trabalho de Liana na marca Trapo, a qual seu título traduz sua literal significação. Sua frase lema é “eu pinto e bordo” (e não é preciso explicar o motivo!). Dessa filosofia a artista se coloca no mercado da arte não perdendo nem as pequenas manifestações para expor sua produção. No Brasil já esteve em Nova va Xavantina(MT), Florianópolis(SC), Porto Alegre(RS), São Paulo(SP), Curitiba(PR) e Rio de Janeiro(RJ). No exterior as experiências andaram por Paris e Vendèe (França), Lisboa e Alte (Portugual), Barcelona (Espanha), Berlim (Alemanha) e Buenos Aires (Argentina).

Liana Keller."T-Shirt Femininas". Pintura e Bordado sobre Camiseta. 2009.

Caminando por las calles o mirando a la basura, Liana Keller, artista plástica, encuentra en su recogida algunos cajones y de este material genera algunas de sus creaciones. Debido a la forma y la proporción del objeto, surgieron las "Quadretas", que son imágenes en el interior de los cajones. En São Paulo, ciudad en donde vive la artista hay gran cantidad de residuos en la basura, y así, se dio cuenta de que los cajones desechados por alguien le servirian de investigación para la búsqueda de otros materiales abandonados por sus antiguos propietarios.

Las "Quadretas" de Liana son, muchas de las cuales, inspirados por los amigos. Su expresión lúdica lleva la identidad de su lenguage. Habita en su diseño lo surrealista, en el sentido de la transgresión de lo real que aparece en el uso del verde, azul, rosa, y las formas mutantes. A Liana le gusta salir en busca de lo inesperado. Pueden aparecer pedazos de madera, cartón y otras "chucherías" que la tierra he de tragarlas!
La investigación de los materiales de la artista, están también presentes en su propia ropa. Desde el año 2002 creó la marca Trapo y ahora tiene sus productos vendidos en las ciudades de Brasil y el extranjero. La marca le llegó del deseo de recrear su ropa, su intención de ponerse "afuera" sus pensamientos, las ideologías ... Además de interactuar con prendas de vestir de varios años, incluyendo las ferias americanas o reliquias personales.
Todo cambia. La idea es reutilizar hasta mismo porque esta es la lógica de la cuestión. Jugar con los sentimientos, exponiendo el dolor y hacer que los ojos de los demás vean esto, son algunas de las características de los trabajos de Liana en la marca Trapo, cuyo título se traduce su significado literal. Su lema es la frase "pinto y coso" (y no hace falta explicar!) y la filosofía de la artista se pone en el mercado del arte sin perder pequeños eventos para exponer su producción. En Brasil ha expuesto en Nova Xavantina (MT), Florianópolis (SC), Porto Alegre (RS), São Paulo (SP), Curitiba (PR) y Río de Janeiro (RJ). En el extranjero: París y la Vendée (Francia), y modificado de Lisboa (Portugal), Barcelona (España) y en Berlín (Alemania) y Buenos Aires (Argentina).

Liana Keller, 31 anos.

Nasceu em Poro Alegre (RS) onde estudou Letras e

logo depois descobriu seu interesse pelas Artes Plásticas.

Vive e trabalha em São Paulo, SP.

+ sobre a artista:
www.flickr.com/photos/lianatrapo

+ seus trabalhos se encontram a venda nos locais:
na Espanha:
www.nimusitges.com

no Brasil:
em porto aleGre:
www.azulcobalto.net

em São Paulo:
www.drosophyla.com.br
brecho3marias@ig.com.br

no Rio de Janeiro:
zambebrasil@yahoo.com.br

Cursos para o mês de março na Escola São Paulo!

2010-02-22T22:53:00.001-03:00

http://www.escolasaopaulo.org/

Curso de Grafite na Escola São Paulo!

2010-02-20T17:32:00.001-03:00

Gabriel Nast: recortando linguagens, colando conceitos!

2010-02-15T15:51:00.012-03:00

Gabriel Nast. "Bailarina Híbrida". Colagem sobre Madeira, 40cm x 30cm. 2009.

Relevando-se de conceitos e pós-conceitos em respeito à construção/composição da imagem, não é novidade que a técnica Colagem esteja no ranking das técnicas pictóricas "despojadas". A Colagem é lúdica, é divertida, é experimental e conceitual; é também a real e tátil explicação ao que se refere à sopreposição das superfícies em um trabalho plástico (sobre suporte plano). Dessa forma, é a partir da Colagem que os elementos se configuram uns sobre os outros, de fato.

O artista plástico Gabriel Nast trabalha suas colagens de tal maneira que interage materiais de diferentes proporções e origens. Retirados dos mais diversos meios: jornais, revistas, cartazes, embalagens, etc - Nast transforma o íntimo de cada línguagem e o detalhe pouco perceptível em uma nova cena e até mesmo um novo conceito. Em trabalhos como "Bailarina Híbrida" e "Um Cavalheiro nada Sentimental" sua poética se caracteriza pelo estilo Simples, devido à leveza de sua composição. São poucos recortes, porém, incisivos em suas informações - e trazem como contribuição para uma possível leitura da obra, seus títulos.

Gabriel Nast. "Um Cavalheiro nada Sentimental". Colagem sobre Madeira, 40cm x 40cm. 2009.

No seu dia-a-dia Gabriel recolhe os materiais e os guarda até que o momento certo para a construção de uma colagem o incite. Suas temáticas surgem do "jogo" da montagem. A Colagem, nesse sentido, traduz o sentimento da brincadeira, pois em meio a escolha de uma "peça" ou outra é que se forma o Quebra-Cabeça, nada linear, ou seja, desloca mundos conhecidos a terras nunca habitadas.
Algumas vezes materiais como a tinta e o spray entram em ação, e, assim, o artista agrega a suas colagens uma certa turbulência. Dessa mistura surge o estilo Excessivo - melhor representado em "Resto de Sonho" e "Buraco Mágico" - no aglomerado de informações a colagem de Gabriel Nast ora está em primeiro plano, ora em segundo, ou simplesmente, em todos os planos, pois se entremea com a pintura gerando uma confusão que é interessante - suscita a descoberta de significados - a poesia cresce e se converte em literatura. O universo da fantasia também é de extrema profundeza nas colagens de Gabriel: "os recortes são do mundo todo e de diversas épocas, uma verdadeira mistura de histórias, culturas. Um encontro sem tempo definido", afirma.

Gabriel Nast. "Resto de Sonho". Colagem sobre Madeira, 100cm x 70cm. 2009.

É certo que uma colagem tem por particular - ou seja, o que a define como técnica - o tipo de ação em que nela é exercida. As mãos tocam a superfície planificando e bidimensionalizando certos tridimensionalismos. A cola é seu elemento principal e a tesoura sua guia.

O trabalho de Gabriel desdobra a Colagem para além da técnica. Desvirtua-se para seu universo paralelo fazendo de sua criação, inclusive, uma auto-reflexão. Apoia-se na análise do grande artista plástico Tide Hellmeister (renomado na arte da Colagem brasileira), de que "a Colagem é inquietude", e reverbera assim, sentimento e conhecimento fragmentados em papéis.

Gabriel Nast. "Buraco Mágico". Colagem sobre Madeira, 70cm x 100cm. 2009.

El Collage es divertido, es experimental y conceptual, también es la real y táctil explicación respecto a la sopreposición de superficies en una obra plástica (sobre el soporte plano).

El artista Gabriel Nast trabaja sus collages de modo que interactúa materiales de diferentes proporciones y orígenes. Retirado de diferentes medios de comunicación: periódicos, revistas, carteles, embalajes, etc - Nast transforma el corazón de cada lengua en particular en un nuevo escenario e incluso un nuevo concepto. En obras como "Bailarina Híbrida" y "Um Cavalheiro nada Sentimental" su estilo poético se caracteriza por la sencillez debido a la ligereza de su composición. Los recortes son pocos pero incisivo en su información - y presentan como una posible contribución a la literatura sus propios títulos.

En su día a día Gabriel recoge los materiales y los mantiene hasta el momento adecuado para construir un collage. Sus temas surgen del "juego" del montaje. La unión en este sentido, expresa el sentimiento del " jugar" , porque en medio de la elección de uno u otro pedazo forma rompecabezas, no linear, es decir, lleva los " mundos conocidos " de la "tierra no habitada".

A veces, los materiales como la pintura y el aerosol entran en acción, y por lo tanto el artista suma a sus collages algunas turbulencias. De esta mezcla viene estilo excesivo - mejor representados en "Resto de Sonho" y "Buraco Mágico" - El collage ahora está en primer plano, a veces en el segundo o en cuestión de segundos, a todos los niveles, porque si intercala con la pintura creando una confusión que es interesante - suscita el descubrimiento de significados - la poesía crece y se convierte en literatura. El universo de la fantasía también es muy profunda en los collages de Gabriel: "Los cortes son de todo el mundo y de distintas épocas, una auténtica mezcla de historias y culturas. En una reunión de duración indefinida", dijo.

Es cierto que la Collage tiene particularidades - es decir, a lo que define su técnica - como el tipo de acción que en ella se ejerce. Las manos tocan la superficie y el aplanan bidimensionalismos en tres ciertas dimensiones. La goma de pegar es su principal elemento y la tijera, su guía.

El trabajo de Gabriel se desarrolla más allá de la técnica. Distorsiona a su universo paralelo haciendo de su creación, una auto-reflexión. Se basa en el análisis del gran artista Tide Hellmeister (conocido en la técnica del collage de Brasil), que "Collage es una inquietud", y repercute de esta manera, el sentimiento y el conocimiento en papeles fragmentados.

Gabriel Nast, 24 anos.

Nasceu em Minas Gerais onde iniciou sua

carreira artística, logo, mudou-se a São Paulo

para ampliar seu conhecimento e produção.

Vive e trabalha em São Paulo.

+ sobre o artista:

http://www.flickr.com/photos/nast_vida

Folia Cultural: Nesse Carnaval, confira um cineminha!

2010-02-11T18:23:00.011-03:00

Confiram algumas programações culturais para esse feriado de Carnaval!

Fijense de algunas programaciones culturales para el finde!

> Buenos Aires/Argentina

Duelo de titanes

"John Wayne vs. James Stewart

Fueron los nombres emblemáticos del Hollywood clásico. Nacieron con un año de diferencia entre sí, llegaron a la industria con el sonido, se formaron en el apogeo del sistema de estudios y alcanzaron el estrellato más o menos al mismo tiempo. Antes que actuar, interpretaban variantes de sí mismos con la convicción suficiente como para que el público los sintiera propios. Ese vínculo fue distinto en cada caso porque ambas personalidades eran complementarias. El propio Stewart lo explicó mejor que nadie: “La gente se identifica conmigo pero sueña con ser John Wayne”.

Durante todo el mes de febrero, malba.cine los recordará con más de treinta películas, entre las que se alternan títulos emblemáticos y rarezas. En todos los casos el material se verá en fílmico y una mayor parte en copias nuevas."

Programación completa: http://www.malba.org.ar/web/cine_ciclo.php?id=658&subseccion=programacion_actual

> São Paulo/Brasil

Reserva Cultural
Avenida Paulista, 900. Térreo Baixo
(entre as estações Trianon Masp e Brigadeiro do metrô)

(11) 3287-3529

Programação completa: www.reservacultural.com.br

> Brasília/Brasil

Em parceria com a Versatil, o CCBB exibe preciosidades da obra do polonês Krystof Kielowski: a série produzida para a TV polonesa Telewizja Polska (TVP), “Decálogo”, em versão restaurada, e a Trilogia das Cores | De 9 a 28 de fevereiro

Data: De 9 a 28 de fevereiro
Bilheteria/Informações: Terça a domingo, das 9h às 21h | Telefone: (61) 3310-7087
Ingressos: R$ 4,00 (inteira) e R$ 2,00 (meia entrada para estudantes, professores, funcionários e correntistas do Banco do Brasil e maiores de 60 anos) | Obs: as exibições em DVD tem entrada gratuita
Consulte a classificação indicativa de cada filme

Programações de todos CCBBs: http://www.bb.com.br/portalbb/home21,128,128,0,1,1,1.bb

Divulgação: Cursos de Arte na Escola São Paulo.

2010-02-10T11:35:00.001-03:00

Para quem está (ou tem planos de estar) em São Paulo, o Blog Arte Paralela dá a dica: vale refletir as possibilidades de fazer um ou mais cursos da Escola São Paulo. Fiquem de olho no Twitter (http://twitter.com/escolasaopaulo), lá eles promovem a escola por meio de descontos nos cursos!

Abraços!!!

Para quienes estan (o hacen planes de estar) en São Paulo (Brasil) , el Blog Arte Paralela sugiere: se debe reflexionar las posibilidades de se hacer uno o más cursos de la Escola São Paulo. Ojo en el Twitter (http://twitter.com/escolasaopaulo), allá ellos promueven l a escuela por medio de rebajas en los cursos!

Saludos!!!

Andrea May: do tímido rabisco ao eloqüente manifesto!

2010-02-08T17:00:00.007-03:00

Ao falar em tendências artísticas do mundo atual, tais como, o avanço da indústria web dos blogs-portfólio, o virtuosismo do graffiti, a manifestação dos cartazes, a proliferação dos adesivos, o serialismo do stencil, a diversidade dos toy art e outras facetas, encontra-se a artista plástica baiana Andrea May, sem dúvida, uma das artistas multi-meios mais versáteis da última década.

O trabalho da artista permeia os mais distintos meios a fim de proporcionar mídia e repercussão à sua obra, nada mal nos dias de hoje, com o avanço do uso da internet, o veículo mais apropriado para a divulgação de todo e qualquer tipo de trabalho. Nesse sentido, Andrea May "revitalizou" a arte postal – no que diz respeito ao uso do meio postal. Realizou diversos coletivos entre artistas plásticos (nacionais e internacionais) na categoria Adesivos, Poster de Arte, Stencil ou afins, os quais, todo material deveria ser enviado a ela via correio para a organização da exposição.

Andrea May. Muro elaborado con Adesivos e Lamb Lamb de artistas brasileiros. Eventro Abil Pró Rock - Refice. 2005.

Dentre os coletivos, o que melhor evidenciou a sua iniciativa foi o ATTACK + (ou Attack Positivo), que foi um acontecimento ocorrido em 2004, cujo convite aos artistas foi realizado por meio do jornal Folha de São Paulo. Qualquer artista interessado no movimento deveria fazer ações em sua cidade, espalhando seus desenhos em espaço público, em uma data específica. Dessa vez, os artistas não enviaram a Andrea o trabalho em si, mais sim, os registros dos "ataques": http://ataquepositivo.zip.net/.

Depois, transportou as linhas à costura dos Toy, o que, mais tarde virou paixão aos já fanáticos por bonecos. Dessa pesquisa, desenvolveu os U-Toy que se tornaram bonecos virtuais que viajavam por imagens de cidades e países. A investigação dos novos meios proporcionaram a May uma abertura maior também no mercado da Arte - assunto muitas vezes angustiante aos artistas. Porém, a sabedoria de Andrea que disfrutou sempre de boas associações, trabalhando em coletivos de Arte e fazendo N parcerias, lhe favoreceu na abertura de caminhos. O interessante na ação da artista é seu espírito colaborador, pois além de desenvolver seu universo pictórico, sua linguagem e sua própria vanguarda, movimenta a ação dos coletivos, gerando a interação entre pessoas de lugares diferentes.

Andrea May. "Sem Título". Boneco, Toy. 2005.

No decorrer de sua carreira, os desenhos sempre foram um "porto seguro" desenvolvidos em distintas fases. As linhas desenhadas guiam sua imaginação, as quais, quando variado o suporte, carregam a sua identidade. Os desenhos de Andrea são rabiscos ingênuos, no sentido do lúdico, no entanto, certeiros em sua eloqüencia. Eles comunicam o observador quanto às novas tendências da arte, a utilização de papéis descartados como suporte e as velhas canetas pilot como verdadeiros sinalizadores.

Andrea May. "Sem título". Desenho sobre Papel. 2009.

Andrea May. "Sem título". Desenho impresso em Cartaz. 2009.

Cuando se habla de las tendencias artísticas del mundo de hoy, como el adelanto de los blogs, el virtuosismo de los graffiti, la manifestación de los carteles, la proliferación de las pegatinas, el serialismo del stencil, la diversidad del arte de juguete y otros aspectos, es la artista Andrea May, de Bahia-Brasil, sin duda, una de las artistas más versátiles de la última década.

El trabajo de la artista impregna los medios de comunicación y los transmite a su obra, no está mal hoy, con la promoción del uso de Internet, el vehículo más adecuado para la difusión de cualquier tipo de trabajo. En consecuencia, Andrea May "revitaliza" el arte postal - en relación con el uso del correo común o electrónico. Asistió a varios artistas entre los colectivos (nacionales e internacionales) en la categoría de Adhesivos, Art Poster, Stencil o similares, que, todo el material debe ser enviado a ella por correo para la organización de la exposición.

Entre el colectivo, el que mejor mostró su iniciativa fue la ATTACK+ (Attack positivo), que fue un evento que ocurrió en 2004, que la invitación a los artistas fue alcanzado por el diario Folha de Sao Paulo. Cualquier artista interesado en el movimiento debería tomar acciones en su ciudad, difundiendo sus diseños en el espacio público, en una fecha específica. Esta vez, los artistas no enviaron los trabajos a Andrea, sino los registros de los "ataques": http://ataquepositivo.zip.net/.

Luego se trasladó a las líneas de costura de los Toy, que más tarde se convirtió en la pasión de admiradores de muñecos. De esta investigación, desarrollo los U-Toy que se han convertido en muñecos digitales que “viajan” por las imágenes de las ciudades y países. Los medios de comunicación contribuyen siempre a Andrea en el mercado del arte - un tema a menudo inquietante para los artistas. Pero la sabiduría es lo que hace a ella disfrutar de las asociaciones, colectivos de Arte y hacer alianzas. De hecho es lo que favoreció la apertura de caminos. Curiosamente, la acción de la artista es su espíritu de colaboración, así como el desarrollo de su universo pictórico, su lengua y su propia vanguardia, se mueve la acción colectiva de generar la interacción entre personas de diferentes lugares.

A lo largo de su carrera, los dibujos siempre han sido un "refugio seguro", desarrollado en diferentes fases. Las líneas que guían su imaginación, cuando cambian el soporte, cargan su identidad. Los dibujos de garabatos de Andrea son ingenuos en el sentido de alegría, sin embargo, representan su elocuencia. Su lenguaje informa al espectador sobre las nuevas tendencias en el arte, la utilización de papeles desechados como apoyo y los trazos hechos con marcadores Pilot como verdaderos pinceles.

Andrea May, 44 anos.

Nasceu na em Salvador-Bahia, onde estudou e se

formou em Artes Plásticas.

Vive e trabalha em Salvador.

+ sobre a artista:

http://www.andreamay.tk/
http://www.andreamay.com.br/

+ sobre seus cartazes a venda:

http://www.urbanarts.com.br/busca.aspx?q=andrea%20may

Viviana Debicki: Sueños tejidos por manos despiertas.

2010-02-03T22:33:00.008-03:00

Viviana Debicki. "Série Para Remendar Corazones". Foto impressa em Tela e Costura. 2009.

Viviana Debicki. "Série Para Remendar". Foto impressa em Tela e Costura. 2009.

Entre agujas, hilos y buena dosis de recuerdos trabaja la artista plástica argentina Viviana Debicki. Su búsqueda trata de revelar los misterios que por mucho se quedan archivados adentro de los cajones olvidados agarrando polvo. De manera antropológica, lo que hace Viviana es investigar la historia de personas comunes pidiéndoles fotografías antiguas, objetos personales no más utilizados y además chucherías. Con este material expone, es decir, pone afuera, todo lo guardado, todo lo intocable, todo lo memorable. La serie "Para Remendar Corazones" los recuerdos de la pareja son intervenidos por el hilo rojo. Es un trabajo tan delicado cuanto es delicada la situación de una separación, sea como fuera. En este punto, lo que plantea la artista es una intensa poetización de lo íntimo, la que está muy bien representada por el liviano lienzo. Recuerdos son como pañuelos, revestidos de sudor, lágrimas y garabatos.

Viviana Debicki. "Série Costureros". Foto e Mista sobre Caja de Madera. 2009.

Sigue la escena en la serie "Costureros", con una mescolanza de pequeños detalles de una sola persona. De hecho, todo se reúne en una caja, las de costura que utilizaban las abuelas. La ternura se aproxima del universo femenino de siglos pasados cuando las actividades manuales atravesaban la vida de una mujer desde la niñez. Sus cajas, además de artefactos de costura, guardan los recuerdos de otra época, sin embargo, se reabren para hacer parte del presente momento, que se ha costurado a lo largo de los años entre puntas de agujas y el cariño de las nuevas generaciones.

Luego, en la serie "Para Bordar Ilusiones" se transportan sentimientos de la "niña" interior de la mujer. Sobre los vestidos de muñecas (de las dueñas) son bordadas sus historias, con materiales cedidos también por la inspirada. Es una poesía visual sumerja en el simbolismo que las prendas poseen.

Viviana Debicki. "Série Para Bordar Ilusiones". Vestido de Boneca e Mista sobre Tela. 2009.

Viviana Debicki construye objetos-retrato. Trabaja su lenguaje desde la mirada interior, del cotidiano, del universo paralelo hogareño. Trata de evidenciar la certeza momentánea, el segundo del tiempo que ha pasado, el instante representable. Se unen tiempo y ausencia re significando sueños. Sueños que se volvieron realidad, realidades que se volvieron recuerdos.

Entre fios, agulhas e uma boa dose de recordações trabalha a artista plástica argentina Viviana Debicki. Sua pesquisa têm como foco desvendar mistérios das gavetas, arquivados, cheios de pó e esquecidos pelo tempo. Antropologicamente o que faz Viviana é investigar a história de pessoas comuns pedindo-lhes fotografias antigas, objetos pessoais não mais utilizados e demais quinquilharias. Com esse material expõe, ou melhor, exporta para o lado de fora tudo o que está guardado, tudo o que é intocável, tudo que é memorável. Na série "Para Remendar Corazones" a costura feita por uma linha vermelha intervém nas lembranças do casal. O trabalho é tão delicado quanto a situação de uma separação, seja ela no plano físico ou espiritual. Nesse sentido, a artista se dedica a poetizar o Íntimo, muito bem representado pelo tecido leve de algodão. As recordações são como lenços, encobertos por suor, lágrimas e rabiscos.

Sua pesquisa continua com a série "Costureros", com a miscelânea de pequenos detalhes de uma só pessoa . Bem apropriado ao título da obra, tudo se reúne em uma caixa, como aquelas de costura das avós. A meiguice indica uma atmosfera feminina de séculos passados, quando as atividades manuais atravessavam a vida de uma mulher desde a infância. Suas caixas possuem artefatos de costura e guardam os objetos que relembram outra época, no entanto, essas caixas se reabrem para fazer parte do momento atual - momento existente por ter sido costurado ao longo de anos uma relação familiar.

Em seguida, na série "Para Bordar Ilusiones" são transferidos os sentimentos da menina que há na mulher. Sobre os vestidos de antigas bonecas (de suas próprias donas) são bordadas suas histórias decoradas por acessórios também cedidos. É uma poesia visual submersa no simbolismo que a própria pequena peça de roupa possui.

Viviana Debicki constrói objetos-retrato. Trabalha a sua linguagem refletindo o interno, o cotidiano e o universo paralelo de cada lar. Propura evidenciar a certeza momentânea, o segundo que já passou e o instante representável. Em sua obra, se unem tempo e ausência que resignificam os sonhos. Sonhos que se tornam realidade e realidades que se tornam lembranças.

Viviana Debicki, nació en el año 1961 en Buenos Aires.

Graduada por la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón

y Licenciada por el Instituto Universitário Nacional del Arte.

Es profesora superior de escultura.

Vive y trabaja en Buenos Aires, Argentina.